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Qual è la prima rappresentazione di una gru?

Qual è la prima rappresentazione di una gru?

Varie fonti su Internet - come Crane (macchina), A History Of The Crane e The sky is the limit: gru a propulsione umana e dispositivi di sollevamento - affermano che gli antichi greci furono gli inventori della gru durante il VI secolo aC.

Le gru furono adottate e migliorate dai romani; l'immagine qui sotto è la prima rappresentazione di una gru che sono riuscito a trovare.

"... parte della ricca decorazione della tomba degli Haterii, famiglia di costruttori che costruirono la propria tomba lungo l'antica via Labicana nel primi anni del II secolo d.C." (mia sottolineatura) Fonte: museivaticani

Questa sembra essere una gru a ruota ed è l'unica rappresentazione di gru dei tempi antichi che ho trovato - più di 600 anni dopo l'invenzione della gru.

Esistono raffigurazioni precedenti, ad esempio in rilievi, vasi o murales? In caso negativo, esistono altre raffigurazioni pre-medievali di gru?


Il costruttore romano Lucceius Peculiaris sarebbe un altro esempio premedievale.

Lucio; peculiare ; Ex Biso; Redentore; Fecit; Prosceni.

Sfortunatamente è apparentemente anche un po' più giovane dell'esempio della domanda, 3° secolo:

Informazioni sull'oggetto - generali
Attualmente situato: Capua, Italien, IT, Museo Provinciale Campano - Le informazioni sul luogo sono Aufbewahrungsort - Ort im Gazetteer Provenienza: Italien, Capua / Santa Maria Capua Vetere, in den Ruinen des Theatres Categoria/Area culturale/Funzione: Inschrift; Sollievo; Weihung Appartiene al monumento: nein Iniziato/Commissionato da: Lucceius Peculiaris redemptor prosceni ambito culturale: römisch Datazione: spätrepublikanisch. - dopo: W. Fuchs - Ende/spätes 3. Cent. n. Cr. - Argomento: Vergleich u. un. mit Köpfen vom Galeriusbogen sowie Gewändern auf dem Galerius- und Konstantinsbogen / dopo: G. Zimmer -

3631: Votivrelief des Lucceius Peculiaris Capua, Museo Provinciale Campano (versione più grande)

Il manoscritto illustrato Manoscritto - Vat.lat.3225 detto anche Vergilius Vaticanus del IV secolo contiene scene di "costruzione di una città"

La scena descritta in modo più dettagliato può significare:

Enea e Achat vedono Cartagine in costruzione (f.13r); Enea davanti a Didone (f.16r); Venere invia a Didone l'Amore sotto forma di Ascanio (f.17r). // {{Informazioni |Descrizione={{it|1=Folio 13r del Virgilio Vaticano (Vaticano, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. lat. 3225). Enea trova Cartagine. Illustrazione del testo dell'Iliade.}} |Source=Vatican Virgilio (Vaticano, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. lat. 3 Src: French WP and WikiMedia Commons

I romani sono grandi, i greci sono ancora più grandi? Ma sono più giovani. Poiché si tratta del più antico di questi dispositivi, di solito dobbiamo esaminare la Mesopotamia o l'Egitto?

Lì troviamo

Questo rilievo di Ninive mostra un uomo con uno shaduf (un secchio attaccato a una lunga trave, appesantito a un'estremità e bilanciato in modo che il secchio si alzi facilmente). Sta cambiando il corso di un ruscello per aiutare gli operai di Sennacherib a spostare una scultura gigante.
Rilievo del pannello murale in alabastro in due parti: mostra un toro alato per il palazzo di Sennacherib che lascia la cava. Il toro, grossolanamente finito, è stato posto su una slitta che avanza su rulli, trainata da prigionieri di guerra. Quattro sorveglianti, due con le trombe, dirigono l'operazione dalla sommità del colosso. A sinistra, il re è in piedi su un carro trainato a mano. Alcuni uomini rimuovono le rocce dalla pista; altri tirano una lunga leva, incastrata in posizione per spostare il carico quando si attacca. Sotto, gli uomini usano secchi, attaccati a braccia contrapposte per sollevare l'acqua e deviare un ruscello. Dal pannello murale in gesso rilievo in due parti: mostra un toro alato per il palazzo di Sennacherib che lascia la cava.

Sovrano: Sennacherib, neo-assiro, data 700BC-692BC

Alcuni ritengono che questo tipo sia stato utilizzato nella costruzione delle piramidi nubiane.

In ogni caso:

Una delle prime versioni della gru ad essere sviluppata fu lo shaduf, usato per la prima volta per spostare l'acqua in Egitto circa quattromila anni fa. Lo shaduf è costituito da una lunga trave girevole in equilibrio su un supporto verticale. Un grosso peso è attaccato a un'estremità della trave e un secchio all'altra. L'utente tira il secchio verso il basso fino alla rete idrica, lo riempie, quindi consente al peso di sollevare il secchio. La trave viene quindi ruotata nella posizione desiderata e il secchio viene svuotato. Lo shaduf è ancora usato nelle zone rurali dell'Egitto e dell'India.

E dai tempi augustei

I lavori di costruzione erano impegnativi. L'uso esteso di grandi pezzi di marmo e altre pietre pesanti come il granito necessitava di apparati di sollevamento sempre più grandi. Realizzati in legno, di questi apparecchi esistono scarse tracce materiali, ma compaiono nell'arte e nella letteratura. Una targa in terracotta proveniente dalla Via Cassia mostra un generale in armatura in piedi tra le rappresentazioni di un trofeo militare, una vittoria in volo e una rappresentazione inginocchiata identificata come Roma. Su entrambi i lati ci sono figure più piccole che azionano gru a chiave per sollevare pietre squadrate per muri massicci (Schäfer 435-436; Figura 6). Sebbene le interpretazioni di questa scena varino, ovviamente, l'inclusione di un atto edilizio assume familiarità e un potente significato per la costruzione. Allo stesso modo, un'incisione da Capua che commemora una visione di Lucceius Peculiaris, forse un appaltatore per la ricostruzione augustea dell'anfiteatro, mostra un argano e una gru a ruota che solleva una colonna monolitica (Sear 7). Vitruvio dedicò un intero capitolo alle macchine di sollevamento che associa a una certa magnificenza (10.1.2).

Diane Favro: "Leggere la Roma augustea: la materialità come retorica in situ", Advances in the History of Rhetoric, 20:2, 180-195, DOI: 10.1080/15362426.2017.1326325


Qual è la prima rappresentazione di una gru? - Storia

Gli artisti nel corso della storia hanno tratto ispirazione dagli uccelli. Le forme in parte uccello e in parte umane sono state spesso utilizzate per rappresentare fenomeni soprannaturali o abilità umane potenziate, in particolare quelle della visione (teste di uccello) e della velocità (ali di uccello). Forse la più antica rappresentazione artistica di uccelli o parti di uccelli è un uomo preistorico con la testa di uccello datato dal 15.000 al 10.000 a.C. È dipinto su una delle pareti della grotta di Lascaux in Francia, il tesoro spesso descritto dell'arte dell'età della pietra.

Gli antichi egizi consideravano gli uccelli "anime alate" e li usavano occasionalmente per simboleggiare divinità particolari. Il simbolo di Horus, il dio del sole (e il dio locale dell'Alto Nilo), era la testa o il corpo di un falco. In una statua del re Chefren di Giza sul suo trono (c. 2500 a.C.), il re non è seduto da solo: il falco di Horus è appollaiato dietro la sua testa e le sue ali avvolgono le spalle del re. L'uccello sembra vegliare sul re e sul suo regno. Successivamente i rapaci sono stati spesso usati per rappresentare il potere nazionale, fino al simbolo nazionale degli Stati Uniti. (I padri fondatori, vorremmo pensare, non riconoscevano l'abitudine dell'aquila calva di frugare tra i pesci morti e di nutrirsi nelle discariche.) Mentre gli uccelli predatori sono spesso usati nell'arte per simboleggiare il potere, le colombe (preda frequente dei rapaci) spesso rappresentano la pace .

Sono ricorrenti chimere alate simboliche come Pegaso, il cavallo volante. Il potere della sfinge, indicato dalla fusione di una testa umana sul corpo di un leone, è talvolta aumentato dalle ali di un uccello. Se la Grande Sfinge aveva le ali, sono scomparse da tempo, ma quelle della Sfinge alata di Naxos (500 a.C.) rimangono splendenti. Sia la vittoria che la libertà continuano ad essere associate alle ali degli uccelli. Sono, ad esempio, la caratteristica eccezionale della famosa scultura in marmo ellenistica la "Vittoria Alata" di Samotracia (200 a.C.). Quella dea in parte sospesa nell'aria, a sua volta, divenne il prototipo di innumerevoli dipinti e cartoni politici moderni.

I cardellini, che compaiono comunemente nei manoscritti miniati nel Medioevo, erano associati al Cristo bambino. Nell'Italia meridionale e in Sicilia i cardellini erano comunemente rilasciati all'epoca in cui una figura rappresentante il Cristo risorto appariva nelle celebrazioni pasquali. La predilezione dei cardellini per i cardi spinosi potrebbe aver richiamato la corona di spine e portato così alla loro associazione con Cristo? Durante il Rinascimento la maggior parte dei dipinti erano religiosi e gli angeli con le ali di uccello erano comuni. Sembrerebbe che le innumerevoli raffigurazioni dell'Annunciazione differiscano maggiormente nell'uso delle ali di diverse specie di uccelli.

I nativi americani che vivevano sulla costa nord-occidentale del nostro continente erano esperti artisti di uccelli. Usavano rappresentazioni stilizzate di corvi (che erano considerati dei e svolgevano un ruolo centrale nella loro religione), aquile e beccacce di mare, ecc., In maschere e sonagli intagliati, nonché su schermi dipinti, tamburi e scatole. Mentre l'uso simbolico degli uccelli (e parti della loro anatomia) è antico, le rappresentazioni della biologia degli uccelli non sono affatto un'invenzione moderna. Ad esempio, una zecca stilizzata che raccoglie parassiti dal dorso di un toro è dipinta su un pezzo di ceramica risalente al tardo Miceneo, più di mille anni prima di Cristo, e un antico libro inglese contiene l'immagine di un gufo assalito.

La rappresentazione realistica degli uccelli in natura diventa sempre più evidente nei dipinti occidentali e orientali del XVIII secolo, ma l'illustrazione della biologia degli uccelli non è stata elevata alla sua posizione attuale come forma d'arte fino al lavoro di John James Audubon all'inizio del 1800. Audubon è stato tra i primi artisti a ritrarre accuratamente la biologia degli uccelli e certamente il primo a dipingere coerentemente i suoi soggetti con una tale drammaticità da affermarsi come una figura significativa anche nella storia dell'arte. Le riproduzioni dei suoi acquerelli a grandezza naturale sono state stampate nel famoso "Double Elephant Folio" degli Birds of America. I contorni sono stati stampati da enormi lastre di rame incise, e la colorazione eseguita sapientemente a mano. Le immagini spesso illustravano aspetti della biologia degli uccelli: diversi piumaggi, nidificazione, alimentazione, difesa dai predatori, esibizione e così via. Meno di 130 dei 200 set originali colorati a mano di 435 tavole sono sopravvissuti intatti. Il valore attribuito loro come opere d'arte si può giudicare dai prezzi imposti dai singoli piatti provenienti da serie che sono state smembrate. In un'asta alla fine del 1985 molti piatti, tra cui il Flamingo, il Trumpeter Swan, i Gyrfalcons e gli Snowy Owls, furono venduti per oltre $ 25.000 ciascuno. Il dollaro più alto, $ 35.200, è stato pagato per un esempio del ritratto di Audubon di un gruppo di sette Carolina Parrocchetti da tempo scomparsi.

Le vocalizzazioni degli uccelli, ovviamente, compaiono spesso nelle opere letterarie, in particolare nella poesia, come ci ricordano le parole di Milton, Keats, Shelley e altri sui canti degli usignoli. Il richiamo del cuculo europeo è stato inserito nel ritornello di almeno una ninna nanna. Forse il trasferimento di temi più diffuso dal mondo aviario al mondo dell'arte umana è avvenuto nella danza. I popoli della costa nord-occidentale hanno danze eccezionali del corvo e della beccaccia di mare. I rituali di corteggiamento delle gru sono imitati nelle danze delle tribù africane, degli Ainu del Giappone, degli aborigeni australiani e dei nativi americani. Si potrebbe persino immaginare che le gru abbiano, direttamente o indirettamente, influenzato il balletto più o meno allo stesso modo in cui Peter Tchaikovsky fu influenzato dai cigni più di un secolo fa quando compose Il lago dei cigni.

L'uso simbolico degli uccelli continua ancora oggi senza sosta. Ad esempio, molte pubblicità televisive presentano l'aquila calva o falchi assortiti per suggerire patriottismo, affidabilità, velocità o machismo. Il pavone "orgoglioso" è il simbolo di una grande rete. Filmati di uccelli che volano, si nutrono, cantano e si corteggiano sono spesso usati nei programmi di natura e affari pubblici per indicare le condizioni pacifiche e primordiali che stanno rapidamente scomparendo dal nostro pianeta. L'arte degli uccelli sembra diventare più popolare man mano che gli uccelli stessi iniziano a scomparire. I dipinti, le stampe e le sculture di uccelli moderni sono molto richiesti, soprattutto perché le opere di Audubon e di altri "vecchi maestri" aviari non sono disponibili per la maggior parte. I bambini cresciuti con l'immagine di un "Grande Uccello" onnisciente possono benissimo vedere gli uccelli in modo diverso rispetto ai loro genitori, cresciuti con Woody Woodpecker e Daffy Duck, ma sembra certo che gli uccelli e la loro biologia, in un modo o nell'altro, rimangono radicati nelle arti e nella psiche umana per molto tempo a venire.

Copyright ® 1988 di Paul R. Ehrlich, David S. Dobkin e Darryl Wheye.


Storia delle gru nell'arte cinese

Sin dai tempi antichi, i cinesi sono stati eccezionalmente creativi nell'usare vari oggetti viventi, non viventi e immaginari per rappresentare idee astratte. Hanno un simbolo per tutto, compresa la vita, la morte e la longevità. Uno sguardo all'arte e ai tappeti cinesi può educare alle miriadi di simboli cinesi. Tra i simboli più diffusi e diffusi vi sono quelli della longevità. Includono bambù, cicala, pesca, zucca, pino, cervo e gru.

Le gru, o aironi come vengono anche chiamate, svolgono un ruolo importante nella mitologia cinese. Nella cultura cinese, la gru è venerata come il principe di tutte le creature piumate e quindi ha uno status leggendario. Incarnando longevità e pace, è il secondo simbolo di uccello preferito dopo la fenice. Durante l'epoca imperiale, i motivi delle gru furono usati sulle vesti dei funzionari civili per rappresentare i loro ranghi. A causa della sua capacità di volare in alto e su lunghe distanze, le sue ali venivano usate come amuleto per proteggersi dall'esaurimento.

Ci sono quattro tipi di gru nella mitologia cinese: bianca, nera, blu e gialla. Ma piuttosto che il colore, l'impostazione e le posizioni del cigno sono più importanti. Una gru che viene mostrata con le ali distese e una gamba sollevata rappresenta la longevità. Quando viene mostrato sotto un pino vicino a un cervo maculato, simboleggia una vita prolungata. Uno che viene mostrato tra i fiori di peonia rappresenta la prosperità e la longevità, mentre uno che viene mostrato con i fiori di loto simboleggia la purezza e la longevità.

Se viene mostrata una gru cinese che vola verso il sole, significa un desiderio di avanzamento sociale. Una gru che viene mostrata appollaiata su una roccia e guardando il sole rappresenta un'autorità importante che può vedere tutto. Due gru che camminano o volano insieme sono il simbolo per eccellenza della longevità.

Poiché le gru volano nel cielo azzurro sopra la terra polverosa, sono anche considerate simboli di pulizia e purezza. Quando un prete taoista è sul letto di morte, la gente dice che si sta trasformando in una gru piumata. Molti cinesi credono ancora che le gru portino il loro spirito in paradiso dopo la morte. Con uno status così venerato e leggendario, non c'è da meravigliarsi che le gru appaiano costantemente nell'arte e nei tappeti cinesi.

La rappresentazione delle gru nell'arte cinese e nei tappeti antichi si basa quasi interamente sul loro significato e simbolismo mitologico. Ma c'è una leggera differenza tra il modo in cui sono raffigurati nell'arte e il tappeto. Mentre nell'arte sono solitamente mostrati da soli, in coppia o in gruppo in un bellissimo ambiente naturale, come un lago o una cascata, nei tappeti possono essere mostrati con altri simboli come un leone.

Una delle rappresentazioni più popolari di gru nei tappeti cinesi è quella di una gru dalla cresta rossa che vola tra le nuvole e le rose, a simboleggiare longevità, saggezza e nobiltà. Un'altra rappresentazione popolare è una gru che si libra sopra un cervo che pascola sotto un pino. Molto comuni sono anche due gru che danzano a terra o volano insieme. In qualunque scena siano raffigurate le gru, il loro simbolismo nell'arte cinese e nei tappeti è sempre importante.

Questo blog d'arte sul significato e il simbolismo delle gru nell'arte cinese è stato pubblicato da Nazmiyal Antique Rugs


Antichi animali domestici

Gli archeologi sanno da tempo che i cani furono addomesticati durante il periodo neolitico. Ossa di cane risalenti a circa diecimila anni sono state trovate vicino a insediamenti umani, ha detto Zeder. Le prove che i cani aiutassero le missioni di caccia sono state meno immediatamente ovvie.

Robert Losey, professore all'Università dell'Alberta, è un esperto di antiche relazioni tra uomo e animali, in particolare con i cani. Ha trovato prove di resti di cani di 10.000 anni in Siberia, ma non è sicuro del ruolo esatto giocato da questi cani. I resti, ha detto, sono stati deliberatamente sepolti, con gli scheletri completamente intatti, il che significa che probabilmente non sarebbero stati una fonte di cibo.

"C'è stato un lavoro etnografico che mostra che essere aiutati dai cani ha notevolmente migliorato la produttività della caccia", ha detto. La sua impressione è che l'addomesticamento del cane coincida con, o sia stato aiutato da, umani che hanno beneficiato della caccia con i canini amabili. Pensa che sia plausibile che l'arte mostri i cani guidati al guinzaglio.

"Gli attaccamenti emotivi che le persone hanno con i cani sono molto, molto vecchi", ha detto. (Scopri di più su come i cani potrebbero averci addomesticato.)

Guagnin ha notato nel suo studio che il livello di dettaglio utilizzato per rappresentare i cani indica che l'artista o gli artisti potrebbero aver avuto uno stretto legame con gli animali.

Mentre Zeder è scettico sulle affermazioni di Guagnin su quanti anni hanno le incisioni, è d'accordo sul fatto che l'arte mostri quei forti legami.

"Ciò che mi colpisce dell'arte rupestre è il grado di dettaglio. I diversi segni dei cani, la striscia comune sulla spalla, le macchie bianche. Il livello di realtà artistica e di dettaglio è davvero notevole", ha detto Zeder.

Guagnin e il suo team hanno in programma di tornare a Jubbah, dove pensano che altri siti neolitici attendono l'esplorazione, risalenti al 10.000 aC. Cercheranno prove fisiche che i cani fossero effettivamente presenti nella regione a quei tempi.


La prima rappresentazione del "serpente infuocato" trovata nella pittura medievale

Ricercatori italiani che esaminano un dipinto medievale potrebbero aver trovato la prima rappresentazione visiva della dracunculiasi, un'orribile infezione parassitaria in cui un verme lungo fino a 3 piedi si insinua fuori dalla pelle.

Attualmente endemica nelle aree del Ciad, Etiopia, Mali e Sud Sudan, la malattia si trasmette alle persone che bevono acqua infestata da pulci d'acqua che si trovano nel ciclope genere, e che contengono larve del verme della Guinea (Dracunculus medinensis). Un anno dopo che la persona ha ingerito l'acqua contaminata, un verme simile a uno spaghetti lungo da 0,6 a 1 metro erutta da un'area della pelle della persona con vesciche e solitamente nella parte inferiore della gamba, secondo il World Health Organizzazione.

Per alleviare il dolore e la sensazione di bruciore che il verme provoca quando scoppia, le vittime cercano l'acqua, spingendo il verme a liberare le sue larve, che ricomincia l'intero ciclo. [I 10 parassiti più diabolici e disgustosi]

Secondo uno studio che sarà pubblicato in un prossimo numero del Journal of Infection, la dracunculiasi appare chiaramente per la prima volta in una pala d'altare del XV secolo esposta alla Pinacoteca di Brera, situata nella Puglia meridionale.

L'opera è considerata un raro esempio di pittura tardogotica in Puglia e raffigura San Rocco, un pellegrino francese del XIV secolo che si dice abbia guarito le vittime della peste e sia sceso con esso.

"In effetti, San Rocco è tipicamente rappresentato con un bubbone sulla parte superiore della coscia", ha detto a WordsSideKick.com il paleopatologo Raffaele Gaeta, dell'Università di Pisa, in Italia.

Non fa eccezione il dipinto di Bari, che mostra il santo come un uomo barbuto con lunghi capelli biondi e ricci. L'anonimo pittore ritrasse San Rocco con un rigonfiamento alla coscia sinistra, reso visibile da un calzino arrotolato.

"Tuttavia, la pala d'altare aggiunge un nuovo dettaglio realistico: un filamento bianco e sottile esce dalla lesione e arriva quasi al ginocchio", ha detto Gaeta.

Ha notato che gli storici dell'arte hanno erroneamente identificato questo elemento come una lunga goccia di pus che emerge dalla ferita infetta. [25 macabri scoperte archeologiche]

"Crediamo invece che il pittore abbia ritratto un antico caso di dracunculiasi, malattia infettiva causata da un verme nematode, il Dracunculus medinensis, ben noto nell'antichità", hanno scritto Gaeta e i colleghi Fabrizio Bruschi e Valentina Giuffra nel loro studio.

La dracuncoliasi ha afflitto l'umanità per migliaia di anni. L'Antico Testamento della Bibbia, risalente al 1450 a.C., si riferisce al verme, secondo il Carter Center. È menzionato nel papiro medico egiziano Ebers, risalente al 1550 a.C., che suggeriva di estrarre il verme dal corpo avvolgendolo attorno a un bastone, metodo ancora oggi utilizzato.

Ulteriori prove dell'esistenza del verme nell'antico Egitto furono fornite negli anni '70: un verme di cavia calcificato fu trovato nella cavità addominale di una mummia di 3000 anni.

I parassitologi ritengono che i "serpenti di fuoco" biblici che hanno attaccato gli israeliti fuggiti dall'Egitto potrebbero essere stati i vermi d'India. L'infezione sarebbe stata diffusa in Medio Oriente al momento dell'esodo, come lo era fino a poco tempo fa.

"Il verme non uccide, ma lascia la vittima nella miseria invalidante", ha detto Gaeta.

"Il parassita potrebbe essersi guadagnato il soprannome di "serpente infuocato" perché provoca un dolore lancinante e bruciante mentre esplode attraverso la pelle", ha aggiunto.

Sebbene la malattia non sia documentata in Italia, è possibile che l'anonimo pittore abbia notato il parassita nella ferita di qualche viaggiatore giunto a Bari, che era un importante porto per le persone che si recavano in Oriente, in particolare Siria e Palestina.

"Ha poi aggiunto il lungo e sottile filamento bianco che fuoriesce dalla gamba come una nota di estremo realismo", ha detto Gaeta.

Secondo Francesco Galassi, paleopatologo dell'Istituto di medicina evolutiva dell'Università di Zurigo, la ricerca "offre spazio per una riflessione più generale sull'importanza della prevenzione delle malattie infettive per i viaggiatori internazionali nel mondo moderno".

"Trovo piuttosto accattivante che gli autori ipotizzino che questa malattia possa essere stata ritratta su un individuo che arriva a Bari da regioni dove, a differenza della penisola italiana, la condizione era endemica", ha detto Galassi a WordsSideKick.com.

Come risultato di una campagna di 30 anni guidata dal Carter Center, un ente di beneficenza istituito dall'ex presidente Jimmy Carter, la dracuncoliasi sarà probabilmente la seconda malattia umana nella storia dopo il vaiolo ad essere debellata. Sarà la prima malattia parassitaria ad essere debellata e la prima malattia ad essere debellata senza l'uso di farmaci o vaccini.

Nel 2016, secondo il Global Health Observatory dell'OMS, sono stati segnalati a livello globale solo 25 casi di malattia da verme d'India, in calo rispetto ai 3,5 milioni di casi stimati nel 1986.


La prima rappresentazione di Gesù potrebbe essere stata scoperta nell'antica struttura egiziana

Un team di archeologi catalani ha scoperto quella che secondo loro potrebbe essere una delle più antiche raffigurazioni di Gesù realizzate dai primi cristiani copti in Egitto.

I ricercatori hanno scoperto una struttura sotterranea in una serie di tombe sepolte che risalgono al VI e VII secolo. Tra le immagini copte, o paleocristiane, dipinte sulle pareti della struttura c'era quella che il ricercatore principale Josep Padró descrisse come "la figura di un giovane, con i capelli ricci, vestito con una corta tunica e con la mano alzata come per impartire una benedizione. "


Foto per gentile concessione dell'Università di Barcellona.

"Potremmo avere a che fare con un'immagine molto antica di Gesù Cristo", ha detto Padró a La Vanguardia.

I ricercatori hanno rimosso 45 tonnellate di roccia per accedere alle pareti dove è stato trovato il dipinto, che si trovano tra diversi siti che Padró ha scavato negli ultimi 20 anni.

Il disegno è bloccato mentre i ricercatori iniziano a tradurre le iscrizioni che lo circondano.

Nel 2011, gli archeologi che lavorano vicino al Mar di Galilea hanno scoperto un libretto di 2000 anni con quella che allora si pensava fosse una delle prime raffigurazioni di Gesù. Secondo quanto riferito, l'opuscolo recava la scritta "Salvatore d'Israele", ma la sua autenticità è stata successivamente messa in dubbio.

CORREZIONE: Un titolo precedente di questo articolo suggeriva erroneamente che la rappresentazione trovata in Egitto fosse la prima conosciuta, ma altre immagini che si pensa siano di Gesù la precedono. L'articolo è stato anche aggiornato per riflettere i dubbi sull'autenticità del libretto "Salvatore di Galilea", ed è stato rimosso un riferimento alla tomba di uno scriba per chiarire che l'immagine è stata scoperta in una struttura non identificata.


signora America, la nuova miniserie FX del creatore Dahvi Waller, racconta la storia del movimento di liberazione delle donne attraverso le donne avvincenti e controverse che lo hanno plasmato. Il dramma storico di nove episodi, i cui primi tre episodi sono ora trasmessi in streaming su Hulu, si concentra principalmente sulla lotta politica che circonda la ratifica dell'emendamento sulla parità dei diritti e l'inaspettato contraccolpo guidato da Phyllis Schlafly, la "dolcezza della maggioranza silenziosa" conservatrice.

La miniserie segue i leader di entrambe le parti del dibattito, con Schlafly che combatte contro l'emendamento e le co-fondatrici del National Women's Political Caucus Gloria Steinem, Betty Friedan, Shirley Chisholm, Bella Abzug e Jill Ruckelshaus che combattono per questo. Tessendo insieme più trame, sia personali che politiche, lo spettacolo offre un ritratto sfumato delle battaglie sul movimento per i diritti delle donne nei primi anni '70. Tuttavia, come nota una dichiarazione di non responsabilità che introduce ogni episodio: "Alcuni personaggi nel programma sono immaginari e alcune scene e dialoghi sono inventati per scopi creativi e della trama". Quindi cosa è reale e cosa è inventato? Abbiamo consultato i libri di storia per scomporre i primi tre episodi della serie.

Proprio come nella vita reale, Phyllis Schlafly, l'antieroe biondo e ordinato dello show, ha costruito la sua carriera sostenendo i ruoli tradizionali delle donne e mobilitando l'opposizione conservatrice al movimento di liberazione delle donne. Come interpretato da Cate Blanchett, che è anche produttrice esecutiva dello show, Schlafly si dimostra un personaggio costantemente sottovalutato, spaventosamente intelligente e pieno di contraddizioni.

Quando lo spettacolo si apre, la madre di sei figli dell'Illinois si prepara a partecipare a un talk show per discutere di un libro che ha scritto sulla difesa nazionale. Sebbene non molto conosciuta, la vera Schlafly, morta nel 2016 all'età di 92 anni, ha effettivamente trascorso gran parte della sua carriera a studiare e scrivere su questioni relative alla sicurezza nazionale. Nel suo libro del 1965 Colpo dallo spazio, co-scritto con il contrammiraglio Chester Ward, Schlafly osserva che durante la seconda guerra mondiale ha lavorato come "artigliere balistico e tecnico presso il più grande impianto di munizioni del mondo". È rimasta una voce politica attiva sulla Guerra Fredda e sulla difesa nazionale per tutta la vita, sebbene quella parte della sua carriera sia stata in gran parte eclissata dal suo ruolo nel trattenere il movimento di liberazione delle donne.

Durante la sua carriera, Schlafly aveva ambizioni politiche, a cui lo spettacolo fa riferimento nelle conversazioni di Schlafly con suo marito. Ha corso per la Camera dei Rappresentanti degli Stati Uniti nel 1952 e di nuovo nel 1970, anche se ha perso entrambe le elezioni nel suo distretto dell'Illinois solidamente democratico. Sebbene si occupasse di questioni conservatrici, fosse fermamente anticomunista e pensasse che persino Richard Nixon fosse troppo moderato sui diritti civili, Schlafly, a quanto pare, non si interessò seriamente alle questioni delle donne fino agli anni '70. Per la maggior parte del primo episodio, Schlafly sembra avere scarso interesse per l'ERA o la liberazione delle donne, dicendo "ci sono così tante cose più importanti ... come la sicurezza nazionale". Questo sembra essere un ritratto accurato delle opinioni reali di Schlafly fino al 1970. Secondo il suo necrologio sul New York Times, "Mrs. Schlafly ha appena notato l'emendamento sulla parità dei diritti quando è stato discusso per la prima volta al Congresso. Non è stato fino al 1971, quando l'emendamento era già passato alla Camera, che ha preso le armi contro di esso, ha fondato STOP ERA (come nello show, STOP era l'acronimo di Stop Taking Our Privileges), e si è nominata presidente.

Anche la rappresentazione dello spettacolo dell'ascesa al potere politico di Schlafly è abbastanza fedele ai documenti storici dell'epoca. Con la pubblicazione della sua newsletter conservatrice, il Rapporto Phyllis Schlafly, inizia una campagna di base per opporsi alla ratifica dell'ERA. Ha sostenuto che l'emendamento avrebbe danneggiato le donne piuttosto che aiutarle, eliminando protezioni come il diritto agli alimenti e l'esenzione dal progetto. Lo spettacolo alla fine riconosce che gran parte di questa retorica era esagerata allarmismo, ma a volte sembra levigare alcuni dei suoi bordi più ruvidi per renderla più simpatica per gli spettatori moderni, come quando descrive il suo disagio con alcuni degli STOP ERA più membri apertamente razzisti. Nella vita reale, Schlafly era tra i "conservatori morali" che, alla Convention nazionale repubblicana nel 1960, si opposero al piano del partito di "azione aggressiva" contro la segregazione.

Nello spettacolo, Fred Schlafly (John Slattery) è ritratto come il tipo di figura maschile benignamente condiscendente che è diventata familiare dai drammi storici come Uomini pazzi, in cui recitava anche Slattery. È bello, di successo, affascinante, egoista e condiscendente. Sebbene Fred affermi di sostenere le ambizioni politiche di sua moglie, in privato esprime riserve perché teme che il suo lavoro interferisca con le sue responsabilità primarie di moglie e madre. Nell'episodio 1, le chiede quasi di non candidarsi di nuovo al Congresso, sostenendo che "spezzerebbe la famiglia" e lei acconsente. Non è chiaro se questa fosse davvero la dinamica privata nel matrimonio degli Schlafly, ma, qualunque sia la ragione, è vero che non si è candidata di nuovo.

In un'intervista con Vanity Fair, la figlia di Schlafly, Anne Schlafly Cori, ha affermato che la rappresentazione dello spettacolo della tensione coniugale dei suoi genitori è del tutto fittizia: "Mio padre e mia madre avevano una relazione davvero meravigliosa", ha detto Cori a Vanity Fair. “Penso che la gioia che hanno avuto nel matrimonio abbia formato molto del loro punto di vista sui ruoli di uomini e donne insieme. Il loro matrimonio è stato felice perché è stato un incontro di menti. Intellettualmente, emotivamente, spiritualmente, erano sulla stessa pagina e si completavano a vicenda".

I primi episodi descrivono Schlafly ripetutamente sminuita, ignorata e molestata nei suoi rapporti politici da uomini meno qualificati e informati di lei. A un certo punto le viene chiesto di prendere appunti in una riunione come se fosse una segretaria. Sebbene non sia chiaro se i dettagli specifici di queste interazioni si basino sui fatti, il trattamento tiene traccia di ciò che sappiamo della cultura intorno alle donne sul posto di lavoro in quel momento.

Nonostante abbia aderito ai desideri di suo marito, Schlafly stabilisce un potere politico significativo attraverso la sua campagna di base e rimane una sorta di contraddizione. Certamente i detrattori di Schlafly (compresi, come illustrato in signora Americail quarto episodio di Gloria Steinem) l'ha accusata di ipocrisia, osservando che mentre sosteneva che il posto di una donna era in casa, si metteva in viaggio come oratrice, redattrice di newsletter e attivista.

In the show, Schlafly becomes politically interested in the ERA after her friend Alice (Sarah Paulson), a housewife and homemaker, expresses fears that the amendment would eliminate benefits like alimony and Social Security and result in women being drafted into the military. Alice later becomes an animated supporter of Schlafly’s conservative campaign. While Alice does not appear to be based on any single historical figure, she can be seen as an amalgamation created to represent the fears and beliefs of many conservative women at the time.

Like her or not, Schlafly was an effective political organizer. Her grassroots campaign, composed largely of conservative women and homemakers, was unexpectedly successful in halting the ratification of the ERA. The show accurately depicts Schlafly’s campaign tactics, which relied heavily on letter writing and employed traditional symbols of the American housewife to inspire political support.


Ancient paintings

Another painting found some years ago at Shivta, in the southernmost of its three ruined churches, shows Christ at his transfiguration — another key event described in the Christian gospels, which are thought to have been written in the first century after his death.

That painting, too, is heavily eroded it shows only an outline of the figure of Christ and a single eyebrow.

But the painting on the ceiling of the northern baptistery — a building used for baptisms and containing the baptismal font — shows most of the face of Christ, as a young man with short, curly hair. [See Images of Jesus' House and Nazareth Artifacts]

The iconography of Christ with short hair was common throughout the east of the Byzantine Empire, Maayan-Fanar explained, especially in Egypt and the Syria-Palestine region. But it was eventually displaced by Byzantine images of Christ with long hair, which remains a common portrayal today.

Christ was also shown as a very young man, she said, because his baptism in the Jordan symbolized a "new birth." For the same reason, the painting shows a larger figure of John the Baptist, who is said to have presided at Christ's baptism, according to the Christian Gospels.

In their study of the baptistery painting, Maayan-Fanar and her colleagues describe the portrait of Christ as that of a youth with "short curly hair, a prolonged face, large eyes and an elongated nose." It represents a sixth-century convention of Christ's appearance, rather than his actual appearance, which is not described in the Gospels: "It would be wonderful, but how would we know?" lei disse.


Depictions of the Lower Class

Victorian portrayals of lower- and working-class children in both urban and rural contexts were somewhat different. The lower-class female might be incredibly rosy-cheeked, tidy, and sweet, whether as a farm lass, peasant, or street vendor. All such girls were perceived essentially as objects of pity or amusement, with little sense of the sordid and oppressive social conditions that impoverished children endured. Boy urchins, whether in the pages of Punch magazine or in Royal Academy paintings, were sanitized into healthy, scruffy, and unthreatening children.

The dead or dying child appeared frequently in Victorian era paintings as well, reflecting the high mortality rates (compared with modern statistics) among all classes. Many scenarios𠄻y George Hicks, Thomas Faed, and Thomas Brooks�ture parental bedside vigils in which the need for Christian faith and fortitude are endorsed. As in the literary realm, the picturesque appeal of the helpless orphan, especially vulnerable female ones𠄺s in the paintings of Emily Mary Osborn, George Storey, and Philip Calderon𠄺lso was favored by Victorian audiences.

Modern audiences have been inculcated with Victorian notions of childhood by a variety of sources, from an endless proliferation of Kate Greenaway-decorated items to contemporary magazines that combine nostalgia for the past with gauzy finery and images of female decorativeness, passivity, leisure, and conspicuous consumerism. The Victorian literary characters Alice, of Alice's Adventures in Wonderland, and PETER PAN, of James Barrie's 1904 novel Peter Pan, or The Boy Who Would Not Grow Up, have earned permanent places in the public imagination, due to DISNEY films and to the enduring appeal of the girl seeking authority over her fantasies and the boy escaping the responsibilities of adulthood by refusing to grow up.


What is the earliest depiction of a crane? - Storia

First Robots - in Literature

The Steam Man, Hadaly, and Tik-Tok

  1. Edward S. Ellis' The Steam Man of the Prairies (1868)
    A science-fictional dime-novel, first published in Irwin's American Novels # 45 in 1868.
    If the novel's title character can be considered a 'robot', then this short novel was the first portrayal in literature of a 'robot' or nonsentient automaton - called the Steam Man. The 'mechanical' metal man, a steam-boiler used for locomotion to pull a carriage, was made of iron and was approximately 10 feet tall. It was constructed by teenaged Johnny Brainerd, the inventor in the novel.
  2. Auguste de Villiers de l'lsle Adam's L'Eve Futur (1886, Fr.) (aka The Future Eve, or The Eve of the Future)
    A published book - a classic science-fiction tale that popularized the term "android." Allegedly, the French novelist was inspired to write his book after viewing Edison's display of inventions at the International Electrical Exhibition in Paris in 1881. The story was serialized in 1884 and published as a book in 1886.
    It told about a brilliant British alchemist (modeled after Thomas Edison) who offered to create a mechanical, robotic facsimile of his friend Lord Ewald's beloved fiancee - a stage performer and singer named Alicia Clary. The misogynistic alchemist's goal was to create a perfect and natural, electrical, and mechanical variation of Alicia, who would bring Ewald true happiness - without female personality problems or other physical human imperfections that were causing Ewald to contemplate suicide. The android (andreide), Hadaly, was indistinguishable from Alicia. It had a phonographic apparatus to realistically reproduce Alicia's voice, and was supernaturally endowed with the spirit of Sowana, Edison's mystical assistant. The 'robot' or creation was not a real female "but an angel, not a mistress but a lover, more than reality, an ideal."
  3. L. Frank Baum's Ozma of Oz (1907)
    The third book of Baum's Oz serie. It featured the round-bodied Tik-Tok, made of burnished copper and with jointed arms and legs (with polished caps on them), and requiring its inner springs to be wound in order to function. The card on his back read:

The Mechanical Statue and the Ingenious Servant (1907)

Mechanical Men

(Survival status unknown, although a Vitagraph paper print extract or fragment is reported to exist)

This very early, Vitagraph one-reel (or half-reel) film from director J. Stuart Blackton, was the first American film with 'robot' predecessors - called mechanical men (also known as automatons).

In the slapstick comedic story, a sculptor had hand-built a "mechanical statue" which danced when wound up. It was bought by a customer who took it home. There, a house-servant started it up, but the statue ran away. The "ingenious" servant was able to deceive the master of the house, pretending to be the 'mechanical' robot.

The Fairylogue and Radio-Plays (1908)

Tik-Tok (The Machine Man)

Tik-Tok first appeared in film in The Fairylogue and Radio-Plays (1908), presented in Baum's live travelogue stage presentation (with Tik-Tok - The Machine Man, portrayed by Wallace Illington). The multi-media presentation was a mix of live-action, hand-tinted 'magic lantern' slides, film, and Baum's own narration.


The cast of The Fairylogue and Radio-Plays (1908)
Is Tik-Tok on Baum's left?

[Note: Tik-Tok reappeared much later as the mustached Tik-Tok in Disney's film Return to Oz (1985). See later entry.]

Early 'Robot' Films in the Silent Era

In many cases in these early 'robot' films, the automatons (or automated thinking machines, often functioning as robots or servants) could prove to be dangerous or deadly after running amok, as in Frankenstein (1931).

Early depictions of "mechanical men" included these short films (often comedies and usually one-reel) - sometimes reflecting the encroachment of machinery and the increasing fear of industrialization:

  • An Animated Doll (1908), from Essanay
  • An Extraordinary Duel (1909, Fr.), , from Pathé Frères, about two dueling men (one black, one white) who kept destroying each other, but then were reanimated and rebuilt to continue fighting
  • The Rubber Man (1909), from the Lubin Company, about a mechanical creation that ran amok through a town and village before being short-circuited by being doused in a water trough
  • Dr. Smith's Automaton (1910, Fr.), from Pathé Frères
  • A Mechanical Husband (1910, UK), about a girl who objected to her father's choice of a man and fell in love with an automaton
  • The Automatic Motorist (1911, UK), a comedic fantasy take-off of Georges Melies' A Trip to the Moon (1902), and a mix of live-action and stop-motion animation, in which a mechanical chauffeur drove a newly-wed couple on a honeymoon trip to Saturn
  • The Inventor's Secret (1911), from Biograph (and writer/director Mack Sennett), about a cop (Dan, portrayed by Sennett) who set out to retrieve a missing girl and collect a $500 reward, but mistook an automatic doll for the child
  • The Electric Leg (1912, UK), about the invention of a primitive prosthetic or electric leg for disabled individuals by Professor Bound, but for one amputee, the artificial leg had a mind of its own he lost control of it and it took a man into a girls' dormitory
  • The House of Mystery (1912, Fr.), from Pathé Frères, with a mechanical policeman
  • Sammy's Automaton (1914, Fr.), about Sammy thoughtlessly turning a lifeless mannequin-dummy into an uncontrollable, lascivious automaton
  • The Automatic House (1915), from Empress, about an automatic maid in a "automatic house"
  • The Mechanical Man (1915), from Universal, about a "mechanical man" (Walter Frederick Trevallion, as Phroso)
  • Hoffmanns Erzählungen (aka Tales of Hoffman) (1916, Ger.), was told in three stories/parts about the hero's past loves in the first, the hero young Hoffmann (Kurt Wolowsky) fell in love with a life-sized automaton, a living marionette named Olympia (Alice Scheel-Hechy) he had been duped by Coppelius (Friedrich Kühne) into wearing a pair of magic eyeglasses that made inanimate objects come to life when the deception was revealed, the automaton was torn to pieces
  • Homunculus (1916, Ger.), an expressionistic, six-part serial about diabolical, mad scientist Dr. Hansen's (Adolf Paul) (and his assistant Edgar Rodin's (Friedrich Kühne)) creation of a bitter, soulless, artificial man, the Homunculus (Olaf Fønss), that became tyrannical
  • A Clever Dummy (1917) , from Mack Sennett and Triangle/Keystone, about an inventor named Samuel Tinker (James Donnelly) who created a remote-controlled mechanical robot dummy modeled after the building's janitor (silent film comedian Ben Turpin known for his crossed-eyes) then to further romance, the janitor traded places with the dummy during a vaudeville stage performance to get closer to a woman in the show with whom he was smitten.

The Golem (1920, Ger.) (aka Der Golem)

Golem

Paul Wegener directed three influential adaptations of the Golem legend by Gustav Meyrinck:

  • Der Golem (1914, Ger.) (aka The Monster of Fate)
  • Der Golem Und Die Tanzerin (1917, Ger.) (aka The Golem and the Dancer) - notably the first horror film sequel
  • Der Golem (1920, Ger.) (aka The Golem: or How He Came Into the World), with Karl Freund as cinematographer

The first expressionistic film was based upon Central European myths and influenced later 'Frankenstein' monster films in the early 1930s with themes of a creator losing control of his creation. The Golem, played by Wegener himself, was an ancient clay figure from Hebrew mythology that was brought to life by Rabbi Loew's magic amulet to defend and save the Jews in 16th century Prague from a pogrom threatened by Rudolf II of Habsburg.

The giant man-made, clay creature roamed and lumbered through the Jewish ghetto of medieval Prague to protect it from persecution.

The Master Mystery (1919 or 1920) (aka The Houdini Serial, and Le Maitre du Mystere)

Q, or The Automaton

Director Burton King's and Harry Grossman's independently-produced serial (with 15 episodes, some of which are lost) was made by Studio Pathe in France.

It starred magician and trick escapist artist Harry Houdini as heroic Justice Department/secret service agent Quentin Locke who battled a threatening and criminal international cartel/corporation (the Patent Company).

The serial featured a huge, mechanical, evil robot named Q or The Automaton (Floyd Buckley), the cartel's protective robot-servant. The criminal mastermind had a goofy-looking face and a barrel-shaped pelvis. Houdini exposed the robot as a human in disguise.

This film had one of the earliest (if not the first) on-screen theatrical representation of a traditional robot.

The Mechanical Man (1921, It.) (aka L&rsquoUomo Meccanico)

Mechanical Man

Writer/director Andre Deed's short silent film (only parts of which survive, in a fragmented form - in total, about a third of the original 80 minutes in length) featured a giant, super-powered, 9-10 foot-tall, colossal evil "mechanical" robot, designed to commit robberies and create mayhem.

It was programmed and remotely-controlled by evil villainess adventuress Mado (Valentina Frascaroli) to cause severe damage with its fiery, acetylene blow-torch hands and its massive bulk.

The lumbering robot had headlights for eyes, and had the capability of running at high speed.

The film's finale featured a climactic battle at a masked ball in the Opera House between the first monstrous robot and a second mechanical robot, specifically created (with similar specifications) to destroy the first one.

"Fake" Maria

This future dystopic silent film from director Fritz Lang featured one of the earliest robots (and also female!), a great iconic image. At the time, most robots were either asexual or male. The story was set in the year 2026 in the city of Metropolis.

The luxurious, futuristic, Art Deco city - an industrial world with skyscrapers and bridges, was divided or stratified into an upper, elite, privileged class of powerful industrialists and a subterranean, nameless, oppressed and exploited, ant-like worker/slave class. An elite, privileged ruling technocracy, led by Joh Fredersen (Alfred Abel), was run on the back-breaking labor of underground masses of toiling workers who ran the machines.

The children were cared for by the beautiful heroine Maria (Brigitte Helm), who brought them to a forbidden artificial grotto of the ruling class. There, her beauty overwhelmed Freder (Gustav Frohlich), the son of the ruler of Metropolis, and he fell in love with her. When he went searching for her, he became appalled by the horrors of the working world and the waste of life. After discovering the workers' clandestine meeting led by Maria, Freder's controlling, glacial father conspired with archetypal mad scientist Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) to create an evil, robotic Maria look-alike duplicate (explicitly created to replace a specific human), in order to manipulate his workers and preach riot and rebellion.

The Art Deco-styled female robot (also Brigitte Helm) was constructed and brought to life by Rotwang as a metal android (later inspiring Guerre stellari' C-3PO). It was supposed to resemble the dead wife of the city&rsquos ruler. Rotwang had kidnapped the virtuous and compassionate union leader heroine Maria, and created an evil doppelganger of her in his laboratory - in a stunning transformation scene in which he copied Maria's face and body onto the metal surface of the robot.

She was to deceptively become an evil, seductive and sadistic version of Maria. The robot had a fully-armored head, with slits for eyes and mouth, sculpted shoulders, as well as a mechanically-jointed body with armor-like coverings on the legs and feet.

The android was created in order to discredit the real Maria by - among other things, performing lascivious, erotic dances to a frenzied male audience to incite them to riot (as part of the aristocracy's plan to brutally subdue them).

Der Herr Der Welt (1934, Germ.) (aka Master of the World)

Giant Industrial Robot, and Army of Killer Robots

Prolific director Harry Piel's fourth science-fiction film (of a quartet of science fiction films) was a tale about robots created to take the place of human labor, but also posing a potential threat of taking over the world.

Robot inventor, machine manufacturer and scientist Dr. Erich Heller (Walter Janssen) and handsome mining engineer Werner Baumann (Siegfried Schürenberg) discussed a futuristic world where robotic machines would liberate mankind from hard labor or dangerous occupations (such as mining). In his work, Heller was assisted by Professor Wolf (Walter Franck), a demented and crazed colleague who had completed work on a giant robot (equipped with death rays) in Heller's long absence. While confronting Wolf with overstepping his authority, Heller ordered the entire project to be dismantled, and was 'accidentally' killed by the robot under Wolf's control.

Soon after, Wolf's evil plan was to displace mine workers with a vast army of killer robots, thus leaving the laborers unemployed. In fact, the robots were attacking the mine workers who tried to get their jobs back. Baumann had warned Wolf that the workers would revolt if they lost their jobs, although Wolf's evil plan was to crush any revolts with his 'war machines' and achieve world domination ("master of the world").

In a climactic scene in the laboratory, there was a stand-off between Baumann, now in love with Vilma (Sybille Schmitz) - the widow of Dr. Heller and rightful owner of her dead husband's company, and Wolf, who ordered his giant robot to attack Baumann. Wolf was assaulted and killed by his own machine when he was caught in the cross-fire of death rays (looking like static electricity bolts). The lab and the robot were destroyed in an explosion.

Flash Gordon (1936) (aka Space Soldiers)

Ming's Army/Guards (possibly non-robotic!)

In this popular 13-part serial, blonde polo player Flash Gordon (Larry 'Buster' Crabbe) and Dale Arden (Jean Rogers) joined up with Dr. Zarkov (Frank Shannon) on his home-made rocketship and went to the planet Mongo. There, they confronted the evil ruling emperor, Ming the Merciless (Charles Middleton), with pretty daughter Princess Aura (Priscilla Lawson).

At the time, the planet Mongo was on a collision course with Earth. Zarkov was able to persuade Ming to stop Mongo's destructive path, although the tyrannical Ming then decided to take over Earth himself - and abduct Dale for himself.

In the first chapter, Flash, Dale, and Zarkov were taken prisoner by Officer Torch and two helmeted, mechanized robotic guards, known as "Annihilants". Ming's deadly army was composed of these mechanical robotic soldiers with scientifically-advanced rifles. When they went outside, the guards appeared to be wearing some kind of undergarment under their armored suits.

[Note: Some regarded the army's soldiers as non-robotic, as per the comic strip which portrayed the guards as human when they took off their helmets.]

Undersea Kingdom (1936)

Volkites

This early action-packed Republic Pictures serial (with twelve episodes or chapters) was produced in haste to compete with Universal's Flash Gordon (1936) serials. It starred naval action hero Lt. Ray "Crash" Corrigan (Ray Corrigan) and featured the lost city of Atlantis at the bottom of the sea.

Trash can-like robot soldiers with zap rays guns (Atomguns) called Volkites were commanded by warlord Unga Khan (Monte Blue), the evil tyrannical ruler of the Black Robes and remote-controlled by his equally-evil henchman Captain Hakur (Lon Chaney, Jr.). The Volkites were used to attack the sacred city of Atlantis.

The Phantom Creeps (1939)

"Iron Man"

Universal's 12-part serial titled The Phantom Creeps, was advertised as having: 12 Spine-Shivering Action Chapters. This was the last serial for Bela Lugosi who starred as mad scientist Dr. Alex Zorka intent on taking over the world.

He invented a fearsome, slow-moving 8-foot golem-like iron monster or robot that he referred to as "his iron man" (played by 7'4" tall stuntman Ed Wolff), featuring a sculpted round human-like head.

The super-strong robot was remote-controlled, designed to "crush all opposition and make me the most powerful man in the world" - according to Dr. Zorka.

The Tin Man (aka The Tin Woodman)

In this beloved musical fantasy film, the Tin Man (Jack Haley) (aka The Tin Woodman in L. Frank Baum's original book) was one of the fanciful characters in the Wonderful Land of Oz. In fact in the novel, however, the Tin Woodman was originally born human as Nick Chopper, but because of many accidents with his own axe, he was forced to replace all of his body parts and limbs with tin - becoming a cyborg!

He was a silver-faced, funnel-capped robot who joined Dorothy (Judy Garland) on her journey to Oz' Wizard in the Emerald City to request a heart to fill his hollow chest ("The tinsmith forgot to give me a heart" and "If I only had a heart. "). He was first found rusted immobile from moisture and needed to be oiled to begin moving again.


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