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Monumento Coragico di Lisicrate

Monumento Coragico di Lisicrate


Il J. Paul Getty Museum

Un monumento circolare con colonne corinzie che rivestono l'esterno. Il monumento ha una copertura a tutto sesto ed è posto su un podio quadrato. Il monumento è parzialmente scavato e il terreno intorno presenta piccoli cumuli di macerie. Ci sono alcune case con i tetti di tegole dietro il monumento.

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Monumento Coragico di Lisicrate

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Nell'antica Grecia, concorsi teatrali annuali patrocinati da coregoi, ricchi mecenati delle arti drammatiche, si svolgevano nel Teatro di Dioniso. I chorēgos che hanno sponsorizzato l'esibizione vincitrice hanno ricevuto un premio, un grande trofeo a forma di treppiede di bronzo. Nel 334 aC, Lisicrate ricevette il primo di tali premi e commissionò un monumento per il suo trofeo.

Il monumento si trova su Tripidon Street (Via dei Tripodi), l'antica strada che portava dall'ingresso della città al teatro, e un tempo era fiancheggiata da monumenti coragici. Delle altre fondamenta sono state scoperte negli anni '80, ma il monumento di Lisicrate è l'unico rimasto intatto.

Il monumento ha una base cubica in marmo e rotonda con semicolonne in stile corinzio che sorreggono un architrave. Sopra l'architrave si trova la trabeazione, contenente fregi raffiguranti scene della commedia vincente di Lisicrate. Mostrano Dioniso, il dio greco del palcoscenico, che sconfigge i pirati trasformandoli in delfini. La trabeazione originariamente sorreggeva una cupola, oggi mancante, che faceva da base a tre volute che contenevano il trofeo a forma di tripode.

Nel 1658 sul sito fu fondato un convento di cappuccini francesi che in seguito riuscì ad acquistare il monumento. I monaci usarono il monumento come biblioteca ed è sopravvissuto negli anni anche grazie a questo. Il monastero stesso ha un altro paio di pretese di fama. Il poeta Lord Byron vi soggiornò in visita in Grecia nel 1810 e scrisse il suo famoso poema "La cameriera di Atene". E nel 1818, un monaco piantò le prime piante di pomodoro in Grecia vicino al monumento di Lisicrate nei giardini del monastero.

Il monumento coragico fu danneggiato e parzialmente sepolto dalle macerie nel 1824 durante la Guerra d'indipendenza greca, quando il monastero fu distrutto. È stato restaurato con l'assistenza del governo francese e ora si erge con orgoglio nella sua omonima piazza.


Rinascita del monumento coragico di Lisicrate ai Royal Botanical Gardens, Sydney

Il restaurato Monumento Choragic di Lisicrate, situato nei Giardini Botanici Reali di Sydney, sarà inaugurato il 16 ottobre.

Il monumento di 148 anni era caduto in uno stato di disperazione nel corso degli anni. Tuttavia, grazie a John e Patricia Azarias che hanno intrapreso una missione di due anni per ripristinare il tesoro nazionale, il monumento ha ricevuto un restauro di $ 600.000 da finanziamenti privati ​​e governativi.

La coppia aveva visitato i giardini nel 2014 quando il monumento abbandonato è venuto alla loro attenzione.

“Gli esseri umani erigono monumenti e pensiamo che saranno ricordati attraverso di essi e poi le persone non li vedono più diventano trasparenti. E questo è successo a questo monumento,” Azarias ha detto a neoskosmos.com.

Il sig. Azarias ha spiegato che sono stati in grado di attrarre donatori di ogni provenienza.

“La comunità greca è stata la prima che ha risposto di questa favolosa città.”

Ma non c'è solo il monumento che è stato restituito alla comunità poiché i coniugi Azaria hanno anche formato la Fondazione Lisicrate, ispirata al monumento ad Atene che fu eretto nel 334 a.C. dal corego Lisicrate in commemorazione del suo trionfo nel Teatro di Concorso di Dioniso.

La Fondazione Lysicrates invita ogni anno tre drammaturghi a recitare la prima scena della loro opera e al vincitore vengono concessi $ 12.500 per assistere nel completamento del loro lavoro.

“In sostanza stiamo facendo rivivere la Grande Dionisia,” ha detto il signor Azarias a neoskosmos.com. “Ogni membro del pubblico entra nel conservatorio, riceve un piccolo gettone di ceramica e poi guarda uno spettacolo dopo l'altro. Quando escono ci sono tre urne, una per ogni giocata, e mettono il gettone che hanno in una. L'urna che ne ha di più è la vincitrice.”

I drammaturghi selezionati per il Premio Lysicrates 2017 saranno annunciati alla fine di questo mese e verranno eseguiti al Conservatorio di musica di Sydney a febbraio.


Inaugurato il monumento coragico restaurato di Lisicrate

John Azarias ha sempre ritenuto che la società fosse tenuta a promuovere la creatività.

Per lui personalmente, l'opportunità di farlo si è presentata nel maggio 2014, dopo una fortuita passeggiata attraverso i Royal Botanic Gardens di Sydney, quando, insieme a sua moglie, la dott. originale, eretto ad Atene nel 334 a.C. dal corego Lisicrate in commemorazione del suo trionfo nel concorso del Teatro di Dioniso.

Conoscendo il monumento e il suo significato, non hanno potuto fare a meno di notare le cattive condizioni dell'arenaria.

“Gli esseri umani erigono monumenti e pensiamo che saranno ricordati attraverso di essi e poi le persone non li vedono più diventano trasparenti. E questo è successo a questo monumento,” ha detto il signor Azarias Neos Cosmos.

Fu in quel momento che fu ispirato a prendere l'iniziativa di restaurare il memoriale e, successivamente, di formare la Fondazione Lysicrates.

In qualità di direttore esecutivo di vari consigli di amministrazione ed ex diplomatico, Azarias ha iniziato a fare telefonate in cerca della generosità delle persone. Essendo una parte della storia dell'Australia, ha scoperto che le persone erano molto felici di sostenere l'iniziativa.

"La comunità greca è stata la prima a rispondere", dice, anche se aggiunge che non voleva fare affidamento solo su un settore della comunità, riconoscendolo come un progetto collettivo di Sydney.

“I donatori provengono da una vasta gamma di ambienti – africani, anglo-celtici, cinesi, greci, indiani, italiani, cristiani, ebrei, musulmani – un'altra testimonianza della vivacità e della diversità di questa favolosa città.”

Il monumento, commissionato per la prima volta dal tre volte premier del NSW Sir James Martin, fu inizialmente tenuto nella sua casa di Potts Point fino al 1943, quando fu spostato nella sua posizione attuale nei giardini.

John con sua moglie, la dottoressa Patricia Azarias.

Due anni dopo l'inizio dei loro sforzi, gli Azaria sono riusciti nella loro missione di riportare il monumento al suo antico splendore attraverso il programma Stone Masons del governo statale, costato $ 600.000 in totale e reso possibile da finanziamenti sia privati ​​che governativi.

Ma non è solo il monumento che hanno riportato in vita. Nel tentativo di incoraggiare e premiare il talento teatrale in Australia, hanno reintrodotto lo stesso modello teatrale della Grande Dionisia con il Premio Lysicrates.

Ricordando le tre trilogie dell'antica Atene, tre drammaturghi finalisti sono invitati a eseguire la prima scena del loro lavoro e, a differenza di altri concorsi di questo calibro, è il pubblico a determinare il vincitore, un concetto che non è stato implementato da nessuna parte nel mondo per circa 2000 anni.

“In sostanza stiamo facendo rivivere la Grande Dionisia,” afferma il signor Azarias. “Ogni membro del pubblico entra nel conservatorio, riceve un piccolo gettone di ceramica e poi guarda uno spettacolo dopo l'altro. Quando escono ci sono tre urne, una per ogni giocata, e mettono il gettone che hanno in una. L'urna che ne ha di più è la vincitrice.”

Non solo il drammaturgo ottiene l'approvazione del pubblico, ma riceve anche $ 12.500 per aiutare a scrivere l'intera commedia.

Il premio inaugurale nel 2015 è stato assegnato dal Premier del NSW Mike Baird e nel 2016 dal Ministro federale delle arti, Mitch Fifield.

Ma l'idea di togliere il potere dalle mani del direttore artistico non è stata inizialmente vista con favore.

“Quando siamo andati per la prima volta a trovare il direttore artistico del Griffin Theatre per parlarle della nostra idea, ha detto che eravamo pazzi,” Mr Azarias ammette.

“Il direttore artistico di ogni teatro è un guardiano, tutti vanno e li implorano di riprendere il loro spettacolo ed ecco che andiamo da lei e le diciamo che darai via la tua parte al pubblico.”

Sebbene perseverando e facendo ciò, afferma che la fondazione ha creato una piattaforma alternativa per i produttori teatrali e i direttori artistici per vedere come reagisce il pubblico. In futuro spera che l'evento si estenda in due o tre giorni e attiri l'attenzione di tutto il mondo.

Insieme all'inaugurazione del monumento questo mese, verrà lanciato il libro The Lysicrates Prize 2015: The People's Choice e saranno annunciati i drammaturghi selezionati per il Lysicrates Prize 2017. L'esibizione è prevista per il Sydney Conservatorium of Music a febbraio e, nel tentativo di attirare persone da tutti i settori della società, non ci sarà alcuna quota di iscrizione.

"Vogliamo avere persone di tutti i codici postali, di tutte le età e non solo i soliti sospetti che normalmente vanno a teatro o sono della scena teatrale", ha affermato Azarias.

Per alcuni, può sembrare un grande sforzo andare a commemorare un tempo nella storia antica molto tempo passato. Ma per il signor Azarias è molto di più.

“Il monumento fa parte del nostro patrimonio, qui ha 148 anni e non solo celebriamo il nostro passato, ma promuoviamo anche la creatività australiana,” che, secondo lui, è l'obiettivo principale della fondazione.
“Il motto della nostra fondazione è che sono gli scribacchini, gli imbrattatori e le teste d'uovo assortite che sono i veri tesori di una società, quelli che catturano le nostre storie - saranno quelli che saranno ricordati. Nient'altro verrà ricordato in futuro, nient'altro.”


Il modello stesso di un monumento antico-moderno

Demolizione di “Pennsylvania Bank, 1867,” Particolare della stampa all'albume di John Moran, fotografo. (The Library Company di Filadelfia) Il monumento coragico di Lisicrate, dalle Antichità di Atene di James Stuart, 1762. (Biblioteche Smithsonian)

Entro il 1830, avresti pensiero la gente potrebbe cominciare a stancarsi un po' di vedere ogni ultimo architetto tradurre la propria città in greco. E loro potrebbe se non fosse stato per il modo di William Strickland di combinare il molto vecchio e il molto nuovo. Questo più creativo della generazione nostrana di architetti/ingegneri non ha esitato a spostare il gioco su di qualche tacca. Strickland tirò fuori la sua copia di Stuart's Antichità di Atene, un libro che esisteva da settant'anni ed era stato a lungo utilizzato come fonte da architetti tra cui Benjamin Henry Latrobe, John Haviland e lo stesso Strickland.

Ma ora la posta in gioco era più alta. Strickland ha affrontato la sfida di dare un senso architettonico a un lotto edilizio molto prominente e dalla forma strana, definito da Dock, Walnut e Third Street. E si ritrovò a lavorare all'ombra del capolavoro del suo mentore, la Bank of Pennsylvania. Questo sito difficile richiedeva una soluzione imponente e innovativa. Spremere un tempio greco rettangolare su un lotto di edifici triangolari non sarebbe andato bene. Strickland aveva bisogno di trovare soluzioni progettuali ancora più audaci, ma anche più attente.

E così ha fatto. Strickland ha posizionato all'estremità stretta di questo cuneo un portico semicircolare rialzato, facendo sembrare questa facciata orientale un grande ingresso su una piazza civica. (In realtà, questo è il grande retro arrotondato dell'edificio. Strickland ha reso Third Street l'ingresso facile da usare.)

Prospettiva della vecchia borsa a Dock e Walnut Street, 24 marzo 1915. (PhillyHistory.org)

Qui, a Filadelfia, a pochi isolati dal lungofiume della città, di fronte al sole mattutino (lo stesso che illuminava l'antica Atene) sorgeva il capolavoro di Strickland. A differenza dei suoi altri edifici del Revival greco, questa non era una replica strappata dalle pagine di Antichità di Atene. Ecco un cartellone in 3D di lungometraggi greci al servizio di Filadelfia, qui e ora.

Per la cupola, che ha riunito l'intero progetto, Strickland ha trovato ispirazione nell'illustrazione di Stuart di un monumento del 334 a.C. ancora in piedi per le strade di Atene. Il monumento coragico di Lisicrate era un piedistallo autocelebrativo di 21 piedi per un premio corale vinto in un concorso di arti dello spettacolo, parte dello stesso festival che ha prodotto i grandi drammi di Eschilo, Sofocle ed Euripide. Stuart e William Henry Playfair hanno progettato repliche letterali nello Staffordshire e a Edimburgo. Qui a Filadelfia, Strickland si è preso grandi libertà con il design e ha ottenuto risultati molto americani.

Ha spostato il “monumento” dal livello della strada al tetto. Lo ha fatto esplodere fino a raddoppiare le dimensioni dell'originale creando una gigantesca struttura che definisce lo skyline di 40 piedi di altezza e 14 piedi di diametro. E invece di interpretare in pietra per secoli il Monumento Coragico di Lisicrate, Strickland lo progettò in legno che sapeva poteva durare solo pochi decenni. (Verrebbe sostituito circa ogni sessant'anni.) Ora, lontano dall'Europa, questo monumento effimero in scala Pop-Art, archeologicamente corretto, farebbe eco al passato. Ma ancora più importante, qui sopra il paesaggio urbano di Filadelfia del 1830, questo punto di riferimento vivrebbe molto nel momento.

Lato est del Merchant Exchange Building, 2 novembre 1960. (PhillyHistory.org)

La Borsa dei Mercanti e, in particolare, la torre all'estremità orientale, diventerebbero un elemento essenziale in una nuova rete di informazioni ad alta tecnologia. Molto prima del 1837, quando Samuel F.B. Morse brevettò il suo telegrafo (e modo molto prima che qualcuno sognasse Internet) europei e americani avevano "telegrafi ottici" in grado di trasmettere rapidamente messaggi in codice a grandi distanze. Già nel 1807, il Congresso degli Stati Uniti aveva discusso e alla fine aveva votato a favore del finanziamento di una catena di torri del telegrafo ottico lunga 1.200 miglia che collegasse New York e New Orleans - un progetto che è caduto nel dimenticatoio. Ma non era inverosimile. Più di un decennio prima, l'invenzione di Claude Chappe, il "telegrafo visivo semaforo", prese vita in Francia come collegamento di 143 miglia tra Parigi e Lille che sarebbe cresciuto in una rete di oltre 500 torri in tutta Europa che si estendeva per 3.000 miglia. Nel 1799, quando Napoleone Bonaparte salì al potere, immaginò di estendere la tecnologia attraverso la Manica.

Borsa dei Mercanti, guardando ad est dall'alto Terzo St., durante la costruzione della 3a cupola, 25/10/1964. (PhillyHistory.org)

Quindi, quando l'architetto americano William Thornton ha immaginato di collegare il Nord e il Sud America nel 1800, le possibilità hanno fatto vacillare le teste di livello. In poco tempo, gli uomini d'affari americani a Boston e New York avevano le proprie reti telegrafiche ottiche. Quando il Merchants Exchange era in costruzione, un telegrafo ottico a Boston monitorava le spedizioni, il commercio e gli investimenti in tempo reale.

"Il tempo e la distanza sono annientati", divenne il proclama popolare, un mantra degli anni '30 dell'Ottocento.

Nessuna sorpresa, quindi, che la cupola del Merchant Exchange, in alto sopra Dock e Walnut Street, svolgesse un triplo compito: come trespolo per gli impiegati con telescopi che identificavano le navi che si dirigevano da e verso il porto di Filadelfia, come luogo per inviare e ricevere messaggi lampeggianti da New York attraverso le pianure del New Jersey, e il messaggio più duraturo di tutti: che Filadelfia era finalmente diventata una versione moderna dell'antica Atene.


Monumento Coragico di Lisicrate - Storia

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Nota curatoriale

Questa è una variante molto insolita del Monumento Choragic. Fouquet non ha basato la sua ricostruzione del modello sulle rappresentazioni dell'originale ad Atene, che era un monumento eretto in onore del coregos o sponsor teatrale Lisicrate. Un dramma che aveva organizzato e pagato, nel 335 o nel 334 aC, vinse il primo premio nella festa religiosa di Dionisia che si svolse nel Teatro di Dioniso ad Atene, in onore di quel dio. Il premio era un tripode di bronzo che, per commemorare la vittoria di Lisicrate, fu eretto sul piccolo monumento circolare a lui intitolato (334 a.C.). Fouquet ha invece basato il modello sulla cosiddetta 'Lanterna di Demostene', un'alta follia simile a una torre, costruita nel 1801 da Napoleone I nel parco del castello di St Cloud, a Parigi, le cui due sezioni superiori erano liberamente ispirato al monumento classico. La struttura circolare aperta conteneva un busto dell'Imperatore (riprodotto in miniatura nel modello di Fouquet) e la Lanterna sarebbe stata illuminata per indicare che Napoleone risiedeva al castello. L'originale monumento coragico di Lisicrate era molto più corto della torre di St Cloud e la sezione centrale era formata da un tamburo cavo di muratura con colonne corinzie impegnate. Nel 1870, a seguito della guerra franco-prussiana, la Lanterna di Demostene a St Cloud fu distrutta.

Questo modello, insieme all'Arco di Adriano (MR74) è stato gravemente danneggiato durante la seconda guerra mondiale, probabilmente quando una mina è caduta su Lincoln's Inn Fields la notte del 15 ottobre 1940, frantumando la teca di vetro e il modello in gesso.

Le colonne di gesso frantumate ci permettono di vedere l'armatura di bronzo interna che Fouquet usava per rafforzare il fragile intonaco. Sembrerebbe che queste aste di bronzo siano state posizionate negli stampi per i fusti delle colonne e quindi intorno ad esse sia stato versato il gesso liquido.


Inaugurato il Monumento Coragico di Lisicrate

Uno dei monumenti storici più intricati di Sydney è stato riportato al suo antico splendore, grazie al lavoro dell'unità specializzata in scalpellini del governo del NSW, un gruppo di filantropi di Sydney e il Royal Botanic Garden.

Il Monumento Coragico di Lisicrate, situato nei Giardini Botanici Reali, è una replica del 1870 di un antico monumento greco risalente al 334 a.C.

Il ministro delle finanze, dei servizi e della proprietà Dominic Perrottet ha svelato oggi il monumento, che è stato restaurato in parte grazie a un investimento di 200.000 dollari nell'ambito del programma Stonework del ministro.

"Il monumento a Lisicrate rappresenta la ricca storia e il patrimonio culturale che ha plasmato la nostra città, il nostro stato e la nostra nazione, e dobbiamo semplicemente preservare quella storia per le generazioni future", ha affermato Perrottet.

“All'inizio di quest'anno il governo ha stanziato altri 2 milioni di dollari in finanziamenti per i nostri scalpellini specializzati per restaurare e preservare le nostre icone del patrimonio, e sono stato lieto di poter includere la conservazione di questo monumento come parte del programma.

Scalpellini al lavoro a Yellowblock.

Oltre ai suoi legami con l'antica Grecia, il monumento di Sydney ha un notevole significato storico locale. Fu commissionato nel 1868 dal Premier James Martin (da cui prese il nome Martin Place) ed è scolpito nell'iconica arenaria Yellowblock di Sydney.

Originariamente situato nel giardino di Potts Point di Martin, il monumento fu salvato dalla demolizione nel 1943 e trasferito nei Royal Botanical Gardens dall'allora premier William McKell, a seguito di una campagna del giornalista del Sydney Morning Herald Fritz Burnell.

Nel 2014 un gruppo di filantropi di Sydney ha notato che pioggia e vento avevano eroso la morbida arenaria dorata del monumento. Il gruppo ha formato la Fondazione Lysicrates, che ha lavorato a stretto contatto con il Programma Stonework del Ministro e i Giardini Botanici Reali per restaurare il monumento.

La manutenzione continua del monumento sarà supportata dalla Fondazione Lysicrates e dai Royal Botanic Gardens. La Fondazione Lysicrates ha anche fondato un concorso annuale di scrittura teatrale nella tradizione teatrale greca come parte del suo lavoro per promuovere le arti visive e dello spettacolo in Australia.


Conservazione (Costruito) – Monumento Coregico

Il Monumento Coregico di Lisicrate si trova nei Giardini Botanici Reali vicino alla diga di Farm Cove. Il monumento è una copia dell'originale, eretto ad Atene nel 334 a.C. Il progetto includeva ricerca, valutazione delle condizioni, desalinizzazione, ritaglio e stabilizzazione della superficie. L'istigazione e il coinvolgimento della comunità sono stati una parte importante di questo progetto.

Il Monumento Coregico è significativo per la sua forma, materiale, artigianato e associazioni storiche. Il monumento è elencato nel registro del National Trust, il City of Sydney LEP ed è un elemento situato all'interno di un'area di conservazione. Si ritiene che il monumento originale in Grecia sia il primo uso esterno dell'ordine corinzio ed è incluso nei libri di storia dell'architettura per dimostrare la composizione del capitello corinzio. La copia di Sydney, risalente al 1870, consente a studiosi, studenti e alla comunità di avere accesso a una replica fedelmente proporzionata per studiare e divertirsi.

Il Monumento dimostra l'alta qualità speleologica e le abilità di copista dello scalpellino Walter McGill, noto anche per aver scolpito i gloriosi capitelli corinzi dell'Australian Museum. Il Monumento è significativo per la sua associazione con l'ex Premier del NSW, Sir James Martin come a Martin Place che commissionò i lavori per il suo giardino a Potts Point nel 1870. Il Monumento fu trasferito ai Royal Botanic Gardens nel 1943.

Istigazione del progetto:
Nel 2014 cittadini privati, Patricia e John Azarias hanno osservato che il Monumento Choragic aveva bisogno di cure durante una passeggiata nei Royal Botanic Gardens di Sydney. Hanno creato la Fondazione Lysicrates per raccogliere fondi da donatori privati ​​e il Programma Stonework (MSP) del ministro del governo statale ha abbinato i fondi dollaro per dollaro. Questa è la prima partnership privata/pubblica che MSP ha intrapreso. Il costo totale del progetto è stato di $ 450.000.

Approccio alla conservazione:
Con il finanziamento di donatori privati ​​sono arrivate idee preconcette di "restauro" e le aspettative del monumento per apparire pulito e migliorato. Il team MSP ha lavorato a stretto contatto con i donatori per offrire un quadro per il processo decisionale sulla conservazione del Monumento basato sui principi guida Burra Charter. Una delle principali sfide di questo progetto è stata decidere il livello di sostituzione della pietra, date le condizioni esistenti e la continua esposizione a condizioni ambientali difficili. Questioni significative basate sulla forma (ordine corinzio) sono state attentamente valutate sull'autenticità.

Nella gerarchia degli elementi significativi all'interno del Monumento, il fregio è altamente significativo in quanto le incisioni raccontano la storia del dio greco Dioniso che combatte i pirati che si trasformano in delfini quando vengono gettati in acqua. Il fregio è costituito da 3 pietre, ognuna delle quali racconta un terzo della storia. Il team ha scelto di riscolpire una delle tre pietre (rivolta a sud-ovest) a causa del suo avanzato stato di degrado. La superficie di questa pietra aveva perso ogni dettaglio riconoscibile, come mostrato nelle fotografie allegate. Sebbene le restanti due pietre siano in condizioni ragionevolmente esposte alle intemperie, il tasso di deterioramento è stato rallentato dalla desalinizzazione e dalla ripuntura delle aree superiori per impedire l'ingresso di acqua. L'obiettivo principale del progetto era quello di conservare il più possibile l'arenaria originale stabilizzando e proteggendo il monumento nel suo insieme per garantire che il significato dell'oggetto fosse mantenuto per la generazione successiva.

Ricerca e documentazione:
Sono stati preparati disegni misurati per mappare le condizioni della pietra per fornire un record nel futuro e per confrontare la condizione con i record preparati dal Programma Stone 20 anni fa. La fotografia professionale d'archivio è stata incaricata di registrare il Monumento prima, durante e dopo i lavori. Il processo di ritaglio ha richiesto agli scalpellini di ricercare le differenze di scala e stilistiche tra il monumento originale e la versione di Sydney. Un documento chiave a cui si fa riferimento per ri-scolpire una delle pietre del fregio ha misurato i disegni dell'originale da "Le antichità di Atene" di Stuart e Revett pubblicato nel 1748.

Coinvolgimento del progetto e eredità:
In sintesi, nessun altro monumento pubblico nel NSW raggiunge una tale diversità di interesse comunitario. I lavori di conservazione sono stati un catalizzatore per molti eventi comunitari grandi e duraturi e persecuzioni creative, principalmente dovute alla passione per gli istigatori dei progetti Patricia e John Ararias.

La Fondazione Lysicrates – La dott.ssa Patricia Azarias e John Azarius si sono ispirati alla Fondazione Lysicrates per raccogliere fondi privati ​​per contribuire alla conservazione del Monumento Coregico. Una volta raggiunto questo obiettivo, la Fondazione ha istituito il Premio Lysicrates, l'equivalente del Premio Archibald per i drammaturghi, in associazione con il Griffin Theatre.

Comunità greca - attraverso il collegamento del Monumento con l'originale 334 a.C. Monumento Coregico ad Atene. John Azarias, è stato intervistato alla radio greca sul progetto di conservazione e sul Lysicrates Theatre Prize.

Comunità giuridica - James Martin ha commissionato il Monumento f nel 1870. La conservazione del monumento ha fornito un interesse alla comunità giuridica per rendere omaggio a Martin per il suo successo come primo Premier e Chief Justice australiano. Un'Orazione inaugurale di Martino è stata istituita dalla Fondazione Lisicrate e tenuta dall'On. T.F. Bathurst AC, Chief Justice of NSW il 25 novembre 2016 (libretto commemorativo allegato).

Comunità teatrale – Il Premio Lysicrates è stato istituito nel 2015 ed è un premio teatrale annuale, l'Archibald Prize for Playwrighting, ispirato all'antico monumento greco, eretto nel 334 a.C. ad Atene per celebrare una vittoria dello sponsor, Lisicrate, al concorso teatrale della Grande Dionisia di quell'anno.
Questo evento di Sydney attira ogni anno almeno 500 persone al Monumento in quanto fornisce l'ambiente per l'annuncio del vincitore. Articolo di Financial Review, 3 febbraio 2017 (allegato) e intervista alla radio Eastside 89.7FM http://www.afr.com/lifestyle/arts-and-entertainment/theatre-and-dance/sydney-philanthropists-create-the-lysicrates -premio-20170131-gu2c75

Byron Society – il monumento originale ha un legame significativo con Lord Byron, che scrisse poesie all'interno del monumento durante il soggiorno ad Atene nel 1800. L'Australian Byron Society ha tenuto incontri nei giardini botanici del Monument per celebrare il compleanno di Byron.

Stonework Conservation - La presentazione del completamento della conservazione dell'opera è stata pubblicata su ABC News.

Pubblicato il 16 ottobre 2016. L'istruzione sul significato dell'oggetto e sui lavori di conservazione è stato un aspetto importante del progetto.

Una canzone ‘The Ballad of Martin and Lysicrates’ - scritta dalla moglie del governatore del NSW, Mrs Hurley e cantata dalla signora Hurley alla presentazione pubblica del completamento dei lavori di conservazione nei giardini botanici nell'ottobre 2016.

Ha lavorato al progetto:
Programma Stonework del ministro, Dipartimento delle finanze, dei servizi e dell'innovazione

Cosa hanno detto i giudici:

“Fantastico lavoro del Minister's Stonework Program su una replica di un monumento greco del 334 a.C. nei giardini botanici che prevede indagini, desalinizzazione, ricostruzione e stabilizzazione.”


Architettura europea e americana (1750-1900)

Questa lezione copre uno dei 150 anni più emozionanti dell'architettura, 1750-1900. Cambiamenti sismici si sono verificati nelle aree di:

Stile di vita: In questi anni molte persone si trasferirono dalla campagna alla città. L'Inghilterra raggiunse un equilibrio 50/50 intorno al 1850. L'equilibrio dell'America avvenne intorno agli anni '20. Questa industrializzazione ha causato la creazione di nuove tipologie edilizie.

Governo: Durante la fine del XVIII secolo, il mondo occidentale conobbe due massicce rivoluzioni: la Rivoluzione americana e la Rivoluzione francese. Le monarchie declinarono al potere e furono creati governi democratici.

Mecenatismo: Il mecenatismo religioso e aristocratico lasciò il posto a più commissioni da parte di governi democratici e ricchi individui che si erano fatti da sé.

Tecnologia: Sono stati fatti progressi nei materiali da costruzione, nei trasporti e nei macchinari. I materiali tradizionali come mattoni e pietra furono sostituiti da metalli ferrosi (ferro e acciaio) e vetro.

Architetti e designer hanno tentato di mitigare la loro formazione con le esigenze della vita moderna - evidenziate non solo - nell'architettura stessa, ma anche nei testi di architettura, nella progettazione di interni, negli scavi e nel design urbano, alcuni dei quali saranno trattati in questa lezione. I progressi in queste categorie alla fine mettono irrevocabilmente la professione di costruttore sulla strada dell'architettura moderna del ventesimo secolo.

Il punto di partenza di questa lezione presuppone che gli studenti siano consapevoli delle tendenze nell'architettura barocca e rococò, ma ha senso iniziare con una recensione:

Mostra alla tua classe una diapositiva contenente immagini di opere iconiche dell'architettura barocca e rococò. Mi piace usare quello di Borromini San Carlo alle Quattro Fontane (Roma, 1638–41) come esempio barocco e Germain Boffrand e Charles-Joseph Natoire Salon de la Princesse, Hôtel de Soubise (Parigi, 1736-9) come esempio rococò.

Inizia la revisione con alcuni di questi suggerimenti:

  • Descrivere le caratteristiche formali dell'architettura barocca e rococò.
  • Chi erano i patroni?
  • Descrivi le ideologie ei valori dominanti delle culture che hanno prodotto queste opere.
  • A quali fonti hanno guardato?

Voi studenti potreste essere sorpresi nell'apprendere che le qualità sgargianti dell'architettura barocca e rococò che hanno imparato a riconoscere e ad apprezzare nelle lezioni precedenti sono state prese di mira a metà del XVIII secolo per i loro percepiti abusi della libertà, che combinano elementi classici in modi non ortodossi, e invenzione, come la creazione di nuovi capitali. Guardare queste opere da un punto di vista della seconda metà del XVIII secolo ha il duplice scopo di fungere da passaggio dall'ultima lezione a questa e anche di impostare il palcoscenico architettonico per la lezione attuale.

San Carlo alle Quattro Fontane di Francesco Borromini (1599-1667) è un esempio di edificio barocco che, per le menti della metà del XVIII secolo, incorporava troppe invenzioni. Costruito per l'ordine spagnolo dei Trinitari Scalzi, il piano terra di Borromini indica che lo spazio interno della chiesa era basato sulla geometria (triangoli equilateri, cerchi e un ovale). La geometria sottostante si perde tra gli aspetti che affascinano gli spettatori: le pareti ondulate, le colonne irregolarmente distanziate, le frequenti aperture nelle pareti e gli ornamenti - tutti in mostra la libertà con cui Borromini usava e alterava gli elementi classici - un esempio significativo sono le volute dei capitelli compositi , some of which curve upwards instead of the traditional down. The sculptural quality of the interior is reflected in the church’s exterior. The façade swells out and in, and areas between columns are filled with niches and sculpture.

Moving forward a hundred years to the Rococo, your students will likely be familiar with Germain Boffrand and Charles-Joseph Natoire’s Salon de la Princesse, Hôtel de Soubise. An oval room on the upper-level, this salon was used by a princess of the Rohan-Soubise dynasty for entertaining. The walls dematerialize, punctuated by windows, doors, and large mirrors. Extensive amounts of gilt ornamentation cover the walls and frames openings.

Themes to stress throughout the lecture include progresso, building type, materiali e tecnologia.

Background Readings

Henry Flitcroft, The Temple of Apollo, Stourhead, 1765 (Wiltshire, England).

One of the best sources is Leland Roth’s Understanding Architecture: Its Elements, History, and Meaning, second edition (Westview Press, 2007). If you are looking for information on European architecture see Barry Bergdoll’s European Architecture 1750–1890 (Oxford University Press, 2000) and Sir John Summerson’s The Classical Language of Architecture, twentieth printing (MIT Press, 2001). For an explanation of materials, see Harley J. McKee’s Introduction to Early American Masonry (National Trust for Historic Preservation, 1973). This book provides an excellent overview of the tools used to prepare building materials and terminology.

For British Architecture, see Sir John Summerson’s Architecture in Britain 1530–1830, ninth edition (Yale University Press, 1993).

For American architectural history, I recommend a series of survey texts as well as sources that are more focused upon specific artists or structures. Leland Roth’s A Concise History of American Architecture (Harper & Row, Publishers, 1979) provides a standard chronological progression through North American architectural movements. Dell Upton’s Architecture in the United States (Oxford University Press, 1998) is divided into chapters that address American architecture through the lenses of community, nature, technology, money and art.

For Stourhead see their webpage on the United Kingdom’s national trust site.

For the United States Capitol building, see James D. and Georgiana W. Kornwolf’s Architecture and Town Planning in Colonial North America (Baltimore: Johns Hopkins University Press, 2002)—a wonderful text about colonial and early American architecture. Also see Henry Russell Hitchcock and William Seale’s Temples of Democracy: The State Capitols of the U.S.A. (New York: Harcourt Brace Jovanovich, 1976).

For Schinkel’s Altes Museum, see Steven Moyano, “Quality vs. History: Schinkel’s Altes Museum and Prussian Arts Policy,” The Art Bulletin vol. 72, No. 4 (December, 1990), 585–608 James J. Sheehan, Museums in the German Art World: From the End of the Old Regime to the Rise of Modernism (Oxford University Press, 2000) Karl Friedrich Schinkel, 1781–1841: The Drama of Architecture (Art Institute of Chicago, 1994).

For the Gothic Revival, I am indebted to Chris Brooks’ The Gothic Revival (Phaidon, 1999) and Michael J. Lewis’ The Gothic Revival (Thames & Hudson, 2002).

For the Grammar of Ornament see Carole A Hrvol Flores’ Owen Jones: Design, Ornament, Architecture, and Theory in an Age of Transition (Rizzoli, 2006) John Kresten Jespersen, “Originality and Jones,” The Grammar of Ornament of 1856,” Journal of Design History vol. 21, No. 2 (Summer 2008), 143–53 and Stacey Sloboda’s “The Grammar of Ornament: Cosmopolitanism and Reform in British Design.” Journal of Design History vol. 21, No. 3 (Autumn, 2008), 223–36.

For the Skyscraper, I recommend Sarah Bradford Landau and Carl W. Condit’s Rise of the New York Skyscraper, 1865–1913 (Yale University Press, 1996) and Winston Weisman’s “A New View of Skyscraper History” in Rise of an American Architecture. (Metropolitan Museum of Art by Praeger Publishers, 1970).

For Aesthetic Movement architecture, see Andrew Saint’s Richard Norman Shaw (Yale University Press, 2010) Jeffrey Karl Ochsner and Thomas C. Hubka, “H. H. Richardson: The Design of the William Watts Sherman House,” Journal of the Society of Architectural Historians, vol. 51, No. 2 (June, 1992), 121–45 James F. O’Gorman’s “A Touch of Nash: The Williams Watts Sherman House and the Aesthetic Movement.” XIX secolo vol. 19, No. 1 (1999), 53–9 and In Pursuit of Beauty: Americans and the Aesthetic Movement (Metropolitan Museum of Art, 1986).

For Ecole des Beaux Arts architecture see Christopher Mead, “Urban Contingency and the Problem of Representation in Second Empire Paris,” Journal of the Society of Architectural Historians vol. 54, No. 2 (June, 1995), 138–74.

Content Suggestions

The layout of this lecture is designed to underscore the international and intercontinental spread of architectural ideas. In most instances, I give two examples to illustrate a particular stylistic movement—one European and one American. Optional works are indented underneath to supplement certain topics. I have also included asides about materials and other topics, which can be useful.

In an hour and fifteen minutes, you should be able to cover the following works of architecture:

  • Francesco Borromini, San Carlo alle Quattro Fontane (Rome, 1638–41)
  • Germain Boffrand and Chalres-Joseph Natoire, Salon de la Princesse, Hôtel de Soubise (Paris, 1736–9)

Second Half of the Eighteenth Century:

  • Marc-Antoine Laugier, Essai sur l’architecture (Paris, 1755 first edition 1753)
  • James Stuart and Nicholas Revett, The Antiquities of Athens: Measured and Delineated (London, 1762–95)
    • Choragic Monument of Lysicrates, c. 334 BCE
    • Claude Lorrain, Coast View of Delos with Aeneas (1672)
    • Henry Flitcroft, Pantheon (constructed between 1753-54)
    • Henry Flitcroft, Temple of Apollo (constructed in 1765)
    • Henry Flitcroft, King Alfred’s Tower (designed 1765, constructed between 1769–72)
    • Bristol Cross (a monument from the fifteenth–seventeenth centuries was moved in 1765 from its original Bristol location to Hoare’s park)

    XIX secolo

    • Karl Friedrich Schinkel, Altes Museum (Berlin, 1823–30)
      • William Strickland, Tennessee State Capitol (Nashville, 1845–59)
      • Richard Upjohn, Trinity Church (New York City, 1839–46)
      • William LeBaron Jenney, Home Insurance Building, (Chicago, c. 1885)
      • McKim, Mead, and White, American Safe Deposit Company Building, (New York City, 1882–4).
      • H. Richardson, William Watts Sherman House (Newport, Rhode Island, 1874–6)
      • World’s Columbian Exposition (Chicago, 1891–3)

      Begun in the second half of the eighteenth century and lasting through the early nineteenth century, the Enlightenment did much to affect the path of architecture. Though not a single unified movement, it was founded on the belief in progress and in the power of reason. Recent achievements in science encouraged the notion that, through the acquisition of knowledge and the application of reason social, intellectual, and moral reforms could be affected. The impact of the Enlightenment on the arts took various forms. Some artists paid homage to science, others studied the classical past. The later impacts architecture more acutely.

      By 1750, there was a growing discontent with the gaudy Baroque and Rococo architecture highlighted above. It came under fire for being dishonest, meaning that its sculptural, undulating walls and overzealous ornamentation deceptively hid the building’s supporting construction. Critics thought that these features placed the emphasis in the wrong places and architecture required a much needed return to its primitive origins. This viewpoint was demonstrated in the frontispiece of the second edition of Essai sur l’architecture by Jesuit priest and amateur aesthetician Marc-Antoine Laugier (1713–69).

      The engraved frontispiece of Essai sur l’architecture depicts a classical female figure as the Muse of Architecture, holding a compass, a right angle and reclining on an entablature. The image also includes the Scamozzi Ionic capital (Scamozzi Ionic capitals flare out at the corners when the two sides come together). This Muse directs an infant to a primitive hut, humanity’s first built structure that represents pure, honest architecture. Built of wood—both living trees and cut—the space was created using a limited number of elements: posts (the verticals), lintels or beams (the horizontals), and gabled roof. All of these elements are not decorated.

      This image served as a rallying point to galvanize people to return to a perceivably purer architecture. It should be stated here that Laugier and his supporters did not feel that the only structures that should be built were primitive wooden huts. Instead, they promoted the idea that if a historical source was emulated, it should be from a culture that practiced pure architecture. The older the civilization, the purer architecture they created. Using this logic, Greek architecture was superior to Roman, as Greek civilization was older.

      One publication that did the most to spread an awareness of Greek architecture was The Antiquities of Athens: Measured and Delineated by English architects and antiquarians James Stuart and Nicholas Revett. Conceived during the Enlightenment, when there was interest in ancient cultures, the work was subsidized and published by the Society of Dilettanti (an English group of men who had all partook in the Grand Tour. Sir Joshua Reynolds was a member of the group who painted several portraits of its members). This text is noteworthy for containing the first meticulously measured drawings of ancient Greek architecture, giving the Western world access to their natural architectural perfection. To make the text as accurate as possible, Stuart and Revett spent four years (1751–5) documenting architectural monuments in and around Athens before returning to England to begin the publishing process. Although it was intended to be the first text of its kind, the drawn out publishing process allowed for a Frenchman, Julien-David Le Roy to produce Les Ruines des plus beaux monuments de la Grèce (Paris, 1758) five years before the first volume of The Antiquities of Athens apparso. Despite publication delays, and then its gradual release, The Antiquities of Athens’ influence was international and it became a manual (historian James F. O’Gorman uses the word “Bible”) for the “Greek Revival” across Europe as well as in North America, c. 1810s–1840s.

      An illustration from Volume One of the text depicts the Choragic Monument of Lysicrates. Located near the acropolis, this monument was erected around 334 BCE to commemorate an athletic or choral victory. This circular structure is thirteen feet high, made of marble, and around the exterior are six engaged Corinthian columns—some of the earliest of that type. Now lost is a tripod trophy that at one point surmounted the monument.

      A visual and ideological counterpoint to the pursuit of a more pure architectural source is the picturesque landscape garden Stourhead located in Wiltshire, England, the vision of banker Sir Henry Hoare. Designed over decades, Stourhead’s vistas were completely constructed—earth was moved, a lake was formed by damming a local river, and flora was planted. Hoare aimed to make mimic the painted landscapes found in the paintings of French Baroque painters Claude Lorrain and Nicholas Poussin. Indeed, Hoare had collected Lorrain’s Coast View of Delos with Aeneas (1672), which influenced the designs. For example, the garden included bridges and a building with a dome, imitating the Pantheon in Rome, motifs found in Lorrain’s paintings. The winding path through the garden began and ended at the house, leading one around the irregular lake that forms the garden’s centerpiece. Along the way, one was supposed to stop at certain points to admire views and pavilions constructed in differing architectural styles.

      Palladian architect Henry Flitcroft was commissioned to construct several pavilions for Stourhead: the aforementioned Pantheon (constructed between 1753–4), the Temple of Apollo (constructed in 1765), and the triangular 160-foot brick structure King Alfred’s Tower (designed 1765, constructed between 1769-72)—the top of which can be reach through an internal spiral staircase. In 1765, the Bristol Cross was moved from its original Bristol location to Hoare’s park. Over the centuries there has been debate among historians as to how the Virgilian inscriptions on the pavilions should be interpreted, and how that affects in the viewer’s experience in the garden.

      Politically, the full embodiment of Enlightenment ideals was reached during the American and French Revolutions that took place at the end of the eighteenth century and the early part of the nineteenth century. Il United States Capitol (c. 1793–1828, 1851–7, and 1856–63) in Washington D.C. became a beacon to Enlightenment ideas, adhering to the Classical spirit in its architecture’s revolutionary Neoclassical style. The federal building was envisioned as a seventeen-room brick building that would house the legislative branch of government.

      The fact that the U.S. Capitol was originally envisioned as a brick building may come as a surprise for students, who by this time are used to seeing European architecture constructed of fine stone. At the turn of the nineteenth century, American architects and builders were still uncomfortable and quite untrained in using this material. The lack of confidence architects and builders had for building stone was balanced by their assurance in using brick. Brick’s flexible recipe, permanence, and skill requirement allowed it to used across American in building construction. On the eastern seaboard, it was a material that that been in use since 1618 (the first brick building was the Fourth Jamestown Church—Jamestown was founded in 1607).

      As time progressed, other functions were added to the Capitol, such as Washington’s tomb and setting aside a space for the Supreme Court. In initial submissions, American gentlemen architects/builders failed to create adequate elegant and monumental forms that would define the nation’s new building type. President Washington called them ‘dull.’ Ultimately, the chosen design was a synthesis of competition submissions, which had referenced many aspects of other state houses, namely: a portico, a dome, a central public space, and the two houses opposite one another.

      Despite having many different creators (William Thornton, B. H. Latrobe, Charles Bulfinch and Thomas U. Walter—who were a mixture of professional and gentlemen architects), the Capitol’s various parts are united in the Neoclassical style, with the focal point being Walter’s dome (1856–63), modeled after the Pantheon. Construction of the Capitol pushed American builders out of their material comfort zones. Originally proposed as a brick structure, it was decided that ashlar masonry should be used for the exterior. For the vaulting, Thomas Jefferson wanted to use wood, but Latrobe pushed for masonry. Decades later, builders were pushed to their technological limits using a new material—iron, both cast and wrought—to create the Capitol’s famous dome.

      Nineteenth century architecture is memorable for its quick succession of historical revival styles, including the Greek Revival, the Gothic Revival, and the Queen Anne Style (a.k.a. the Aesthetic Movement), as well as introducing some major architectural publications and new building types. I hope to give a sense of the complexity of the nineteenth century architectural situation by highlighting select architectural examples, architectural texts, and new building types.

      The Greek Revival

      The facade of Karl Friedrich Schinkel’s Altes Museum in Berlin is a prime example of Greek Revival architecture. The museum is a large box with eighteen fluted Ionic columns in front, surmounted by a smaller box. The building’s sheer breadth—it takes up almost the whole width of the northern end of the Lustgarten (Pleasure Garden)—and its façade, distilled to vertical and strong horizontal elements (arches are a feature synonymous with Roman architecture), are the more primitive/pure Greek architectural characteristics to which Schinkel alluded. The most direct visual source would be the Athenian stoa poikile, the ancient covered colonnade in the agora.

      This building did much to revitalize the heart of the city. First, by placing the museum at the north end of the Pleasure Garden, Schinkel inevitably elevated the art museum’s position in society because it took its place among three other important buildings: the Royal Palace, the Cathedral, and the Arsenal. Second, Schinkel carefully controlled the viewing experience of this building. Around 1830, one approached the Altes Museum from Berlin’s main boulevard Unter den Linden (“Under the Linden Trees”—the boulevard was lined with them). Down the street, the Royal Palace anchors the viewer’s vista. As one approached the palace the trees would frame a view of the Cathedral. Upon crossing the bridge and entering the southern end of the Pleasure Garden, the view of the Altes Museum would finally be visible.

      Internally, Schinkel forcefully argued for the rotunda, a space he felt would prepare visitors to experience the building and view works of art.

      Schinkel’s Altes Museum façade conveyed his understanding of the principles underlying the pure linear forms of Greek architecture. Other architects opted for a more direct quotation of Greek architecture.

      In the United States, a fine example of Greek Revival architecture is William Strickland’s Tennessee State Capitol (Nashville, 1845–9). Well-trained (Strickland was trained by B. Henry Latrobe, whom we met above with the U.S. Capitol) and well-traveled (Strickland went to Europe in 1838, traveling through England, France, Italy and Germany. Images from his European sketchbook have been made available online at the Tennessee Virtual Archive “William Strickland Sketchbook”.), Strickland demonstrated his broad working knowledge of historic architectural sources in the Tennessee State Capitol.

      In the Capitol, Strickland referenced a different order (Doric, Ionic, Corinthian) in each main section of the building. Working from the ground upwards, the Capitol had a Doric basement, Ionic porticos, and a Corinthian tower. The Erechtheum (the Acropolis, Athens, Greece) inspired the Ionic porticos, and Strickland used plates of the Choragic Monument of Lysicrates found in The Antiquities of Athens as inspiration for the lantern for his building. Strickland modified the forms of the ancient original with windows to suit modern needs.

      The Gothic Revival

      The Gothic Revival began in Britain and spread internationally and across continents. Arguably the greatest monument to the Gothic Revival is the New Palace of Westminster, better known as the Houses of Parliament (London, 1835–68).

      The Old Palace of Westminster was almost completely destroyed by fire in 1834. On August 18, 1835, a Royal Commission was issued to rebuild the Palace and debate ensued over its appropriate style. Two main camps emerged: Neoclassical versus Gothic. Those in favor of the Neoclassical style supplied evidence such as the style’s popularity and its successful track record in high profile public commissions, such as the United States Capitol. Those who felt that the Gothic would be more appropriate supported their case with the following concepts that would be best articulated by A.W.N. Pugin, in his books Contrasts (1836) and True Principles of Pointed or Christian Architecture (1841):

      • Harmony/Fitness: It was believed that there exists a connection between culture and architectural expression. The Gothic style surfaced during the medieval ages. The architecture produced was viewed as being perfectly in harmony to its needs. During the Gothic Revival, it was hoped that if buildings were constructed in that earlier style that it might resurrect some of the sentiments and the harmony perceived as missing from modern society.
      • Nationalism/Patriotism: At this time it was believed that each culture creates its own distinct style that suits its culture and climate. In the nineteenth century, Gothic architecture was perceived as being an indigenous English style, it would be only natural to draw upon England’s own architectural heritage and not an imported style from the southern European continent. Neoclassical architectural style would further be unsuited to England as it is an architecture produced for its milder Mediterranean climate and would be unsuited to the weather conditions of the north.
      • Function/Honesty: Gothic architecture was viewed as being an honest form of architecture, in which everything included contributed to its construction. Gothic ornament was judiciously placed to enrich and accent structural lines.

      In the end it was decided that architects submit designs in either the Gothic or Elizabethan style. Architect Charles Barry (1795–1860), best known for his classical and Italianate designs, submitted the winning design. Because of his more classical specialty, he employed the talents of A.W.N. Pugin, the vociferous Gothic revivalist mentioned above. The workload between the two men was neatly divided, Barry designed space and structure and Pugin designed the ornament and the interiors.

      Barry’s design was successful for multiple reasons. First, the Houses of Parliament was built on the site of the Old Palace of Westminster and successfully integrated the surviving structures (Westminster Hall and St. Stephen’s Chapel) into the new building complex. Second, Barry created a harmonious—though slightly asymmetrical picturesque—exterior by balancing the horizontal and vertical lines.

      The exterior’s recognizable sand-colored limestone came from Anston Quarry in Yorkshire. This particular stone was selected for its cost effectiveness and because it is a sedimentary rock, it could be easily manipulated. In the twentieth century, parts of the building in which the stone had eroded significantly were replaced with a honey-colored limestone from Medwells Quarry in Rutland.

      Third, Barry’s classical training strongly influenced his logical arrangement of rooms and courtyards, which he based around the classical system of repeating modules. This can best be appreciated by viewing a floorplan of the structure. Four branches of the building radiate out in the cardinal directions: north, south, east and west from a centrally located octagonal lobby. Barry placed the Throne room (located in the House of Lords), the House of Lords, and the House of Commons in line with one another, a subtle underscoring of the line of power in the English government. Pugin designs for the interiors included furniture, tiles, stained glass, and metal work. His most sumptuous decoration appears in the House of Lords, where seemingly every square inch is encrusted with medieval-inspired decoration.

      Switching to the United States, architects such as Richard Upjohn’s used Pugin’s books as a manual to design Gothic Revival buildings like Trinity Church (New York City, NY, 1839–46). Trinity Church was one of the most noteworthy commissions executed in America in the Gothic Revival style. In Trinity Church, one sees a shift occurring in American taste from the Classically inspired to the Gothic and Picturesque. Trinity Church espoused the ideals from leaders of the English Gothic Revival, and Upjohn based its design on an illustration of an “ideal church” from Pugin’s True Principles. Upjohn tweaked several aspects of Pugin’s design to accommodate American building methods and the site such as the vaulting, the pitch of the roof, and the chancel. Longitudinal in plan and made of brownstone masonry, the church was not as elaborately decorated as it could have been.

      The Grammar of Ornament

      Owen Jones’ Grammar of Ornament (London, 1856) is a design manual that has inspired countless generations of architects and designers. Conceived during era of English design reform, the Grammar of Ornament became Jones’ aesthetic treatise. Il Grammar of Ornament contains Jones’ 37 propositions (principles) of design, nineteen chapters dedicated to historical types of ornament, and a single chapter dedicated to the common denominator behind all ornament—nature appeared in 100 chromolithographed plates, in which there were 1,000 cropped illustrations ornament, which removed any hint of an original context.

      The quality of the lithographic plates is one factor that made the Grammar of Ornament famous. The content of the Grammar of Ornament appealed to architects, designers, and reform design thinkers, as John Kresten Jespersen writes, “for a century (after its publication), almost every architect’s office had a copy of the Grammar of Ornament.” The intent of this publication was not to give architects, ornamentalists and designers a template from which to copy in their work, rather to allow individuals to absorb lessons from the past and apply this information to the ornament that would suit modern life.

      The Skyscraper

      The skyscraper is an American invention. Created in the second half of the nineteenth century and refined throughout the rest of the nineteenth and early twentieth centuries, skyscrapers—from the very beginning—have been symbols of commerce and prestige. The skyscraper is the first instance where the architectural story begins in America and then spread overseas. Scholars agree that a skyscraper must contain three features:

      • Significant Height: (more vertical than horizontal) This building type was created to suit the need for increased building space in major urban areas, the two most important of which were New York City and Chicago. The scarcity and the cost of land in these and other urban areas forced architects to build in only one direction—upwards.
      • Passenger Elevators: As human beings are usually opposed to walk up more that five flights of stairs, the incorporation of passenger elevators were a blessing. Elevators made each and every floor just as easily accessible and rentable, enabling building to be higher.
      • Metal Frame: Iron’s popularity increased in the middle of the nineteenth century as architects discovered its potential in building construction. Iron was used two ways in architecture: cast and wrought. Cast iron was a strong metal, capable of carrying great weights by compression. Major flaws of cast iron included its brittleness in terms of ductility as well as the irregularity of its compositional makeup. Wrought iron was not as strong as cast iron, but had an advantage in that it could assume any number of shapes. The combination of cast iron posts and more extensive wrought beams revolutionized the way in which architects envisioned structure and space.

      In short, iron allowed architects to build taller and span wider distances than ever before. In other words, advancements made in skyscraper height are closely tied to advancements in building technologies that supported them. Beginning in the 1880s, the more expensive and specialized product, steel began to replace iron as the preferred structural building material (as it contained the same/or increased strength of cast iron and the ductility of wrought iron). In the 1880’s, the first architects made the switch from iron to steel.

      The earliest example of a skyscraper may surprise you. Noted authorities Weisman and Condit concur that Gilman, Kendall & Post’s Equitable Life Assurance Company Building (New York City, 1868–70 destroyed) is the first skyscraper, since it was the first building that was designed and built containing all three of the aforementioned skyscraper features. Our twenty-first-century eyes, accustomed to seeing skyscrapers as enormous structures built of a curtain of metal and glass, would likely not recognize Equitable Life Assurance Company Building as an early descendant. This lost structure (for which no plans survive) is known only through images and building records. At 130 feet in height, this building was not significantly taller than surrounding commercial buildings. Yet, the conscious incorporation of the elevator transformed commercial architecture, as it allowed all eight stories to be easily reached, and therefore easily rentable.

      Architects cloaked the Equitable’s iron skeleton in the only way they knew how: with a grey-granite masonry, arranged with tiers—separated by entablatures—and capped with a hipped roof. In images the structure has a very Second Empire appearance, a style believed to be chosen for its ability, given Haussmann’s opulent Paris, to signify stability and prosperity. From the very beginning, skyscrapers served as office buildings. Throughout the later nineteenth century architects worked to give a characteristic facade to the skyscraper. Two major trends emerged: “wild work” and the Italian Renaissance palace, which can easily be illustrated with noteworthy period examples.

      In Chicago, William LeBaron Jenney’s Home Insurance Building, C. 1885 is an example of “wild work.” “Wild work” was a descriptor used by eminent late-nineteenth century architectural critic Montgomery Schuyler to refer to facades like this one. What Schuyler found wild, or mind-boggling, about this building was the ways in which the horizontal and vertical lines were constantly interrupted. The Home Insurance Building is also noteworthy as it was the first building to use steel construction.

      In New York City, the firm of McKim, Mead, and White gravitated towards a three-part skyscraper façade, evident in the American Safe Deposit Company Building, (1882–4). This building’s three parts (basement, shaft, and third tier of space at the top) are neatly defined. Three-part façade divisions like this inspired critic Montgomery Schuyler (who we just met above) in 1899 to liken such surfaces to the three parts of a classical column: base, shaft, and capital. Over the years, Schuyler’s metaphor has been applied to, and used to explain numerous facades, and has mutated to become the accepted explanation, but is wrong. This type of façade was inspired by Italian Renaissance Palaces such as the tripartite façade of the fourteenth/fifteenth century Palazzo Davanzati, which likewise has a basement, a shaft, and a third tier of space at the top–complete with an order in the loggia. The tripartite formula became a popular pattern used by architects across the nation such as Daniel H. Burnham & Company’s Flatiron Building (New York City, 1901–3). Even two-decades after this façade pattern had been first implemented, it had yet to fall out of style.

      The Aesthetic Movement

      Aesthetic Movement architecture (which is usually called the Queen Anne Style) began in England in the 1860s and then came to America in the 1870s. It was largely used as a secular architectural style, which some critics considered to be a major flaw (since it did not transition into sacred commissions). This style was characterized by its freedom, especially in color, picturesque, and asymmetrical design, and complex ornament. One of its greatest practitioners was R. Norman Shaw and one of the most famous buildings was the New Zealand Chambers Building (London, 1871–3 destroyed), an office building. Shaw used architectural elements to break up flat surfaces and shatter the light across the exterior of this building. The tendency to create highly textured facades would become a feature associated with Aesthetic Movement architecture on both sides of the Atlantic.

      H. Richardson’s William Watts Sherman House (Newport, Rhode Island, 1874–6 and numerous additions) was one of America’s earliest Aesthetic Movement architectural works. Most Americans would be introduced to the other aspects of the Aesthetic Movement at the Centennial Exposition in 1876. The Sherman Residence was a combination of established and innovative architectural features. The established features included the asymmetry (attempting to break the box) of early nineteenth century homes. The innovative feature was a new form of space—the living hall. The Sherman House’s living hall stretched the depth of the building and contained a hearth and a massive staircase. A variety of rooms (public, private, servant quarters) radiated off this living hall which produced an irregular floorplan.

      The irregularity of the floor plan was expressed in the asymmetry of the façade’s exterior. Within the gables Richardson created the silhouette of a saltbox house. The inclusion of this profile is noteworthy as Richardson revived a distinctive aspect of American colonial architecture. Additionally, on the facade, Richardson varied surface texture, allowing light to break apart on the surface, causing a scintillating effect. Inside, a selection of decorative objects—such as art glass—further underscored the philosophy of the Aesthetic Movement.

      Second Empire Paris and Ecole des Beaux Arts Classicism

      Charles Garnier’s Paris Opera House (Paris, 1862–75) is a building about spectacle. A grand structure, it was one of many that fit into Baron Haussmann’s revitalization of urban Paris. The Opera’s spectacle begins with its location. Built on its own island, it is approachable from several streets and the major Avenue de l’Opera, terminating in its own Place (a plaza or square). Though one may be distracted from the shear amount of ornament on the façade, the exterior overlooking the Place can be distilled into a podium-like arcaded base, atop which Garnier placed a colonnade. This colonnade was a recognizable variation of the two-part façade that Bramante’s House of Raphael popularized back in the Italian Renaissance, now quite popular in Paris. Garnier proceeded to adorn this classical façade with sculptural accents for which he employed some of the finest artistic talents in Paris—such as Jean-Baptiste Carpeaux, who sculpted La danza.

      The building’s entrances were designed to accommodate the societal needs of different opera-goers, from the Emperor to the bourgeois. Once inside, the spaces Garnier created is the mark of the classical training regimen of the Ecole des Beaux Arts, the institution that taught Garnier. The spacious lobbies, wide staircases, and sumptuous veneered surfaces served as dramatic platforms and backdrops to an environment designed for people to see and be seen. Underneath these elaborate surfaces, the Opera’s structure made use of the latest advancements in iron construction. Inside and out, this building makes use of Classical sources.

      Although there were almost 200 structures built for the World’s Columbian Exposition (hereafter WCE—Chicago, 1891–3), the fair became a dialectic of two courses in American architecture, Ecole des Beaux Arts classicism (evident in the architecture of the Court of Honor) and Picturesque/Aesthetic Movement (evident in the architecture surrounding the Lagoon). In America, leading up to the WCE, picturesque traditions such as the Aesthetic Movement—with their colored, asymmetrical, and scintillating surfaces—were popular.

      For example, Louis Sullivan’s predominantly red and gold Transportation Building extended this visual tradition to the WCE. In contrast, the majority of the main fair structures were constructed in the tradition taught at the Ecole des Beaux Arts in Paris. These fair buildings were unified by their coloring (white), classically inspired architectural elements, unified cornice line (65’), and axial symmetry. Beaux Arts classicism had such an effect on fairgoers that it would become the favored architectural style in America for the next several decades.

      The differences between these two architectural vogues were further underscored in the WCE’s landscaped environments, designed by landscape architect Frederick Law Olmsted. Olmsted’s landscape architecture for the Court of Honor was a well proportioned symmetrical basin in perfect tandem with the balanced (all buildings had a 65’ cornice line) and symmetrical Ecole des Beaux Arts classicism surrounding it. For the lagoon area, Olmsted designed an irregularly shaped lagoon, in the middle of which was a wooded island with picturesque trails.


      Guarda il video: The Choragic Monument of Lysicrates (Gennaio 2022).